Por David Sánchez, desde Tesalónica (Grecia), X: @tegustamuchoelc (*).

“Pues nada, aquí estamos en Tesalónica”, dice Lois Patiño con una sonrisa, al inicio de la entrevista dentro del marco del Festival Internacional de Cine de Tesalónica (31/10-11/11), uno de los eventos de cine más prestigiosos de Grecia. Invitado este año como jurado, el director español reflexiona sobre su conexión especial con el festival: “El año pasado ‘Samsara’ ganó aquí el primer premio en la sección Film Forward... no pude venir, y me invitaron de jurado este año. Entonces ya no podía decir que no”.

Para Patiño, este festival representa una oportunidad única. “Tiene una selección de pelis muy buenas”, comenta, destacando la calidad del cine que se presenta. Además, su película “Samsara” ha tenido un impresionante recorrido desde su estreno, acumulando premios y éxito de audiencia en varios países. “En Grecia se estrenó la semana pasada, de hecho... en Holanda, 25.000 espectadores; en España también fueron como 15.000. Para una película que 15 minutos son para ver con los ojos cerrados y medio documental antropológico, la verdad es que es muy sorprendente las cifras”.

Patiño ve los premios y la crítica como elementos esenciales para películas independientes como la suya. “Para hacer esa apuesta económica en promoción tienes que entender que va a haber un retorno económico... por eso éxitos comerciales como ‘Samsara’ ayudan”, comenta. “La crítica es fundamental... es publicidad de prestigio gratuita”. Explica que las distribuidoras suelen mimar a la prensa en sus estrenos para obtener críticas positivas que puedan atraer a la audiencia.

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Respecto a su próximo proyecto, Patiño ha desarrollado una película nueva titulada “Ariel”, filmada en las islas Azores y basada en “La tempestad” de Shakespeare. En esta producción, también explora ideas de metanarrativa inspiradas en “Seis personajes en busca de autor” de Pirandello. “Son personajes que se saben personajes”, dice sobre sus protagonistas, quienes cobran vida en un espacio casi existencialista. La producción cuenta con las actuaciones de Irene Escolar y Agustina Muñoz, junto a actores no profesionales de las Azores. Patiño destaca cómo esta colaboración de actores amateurs le da un carácter único a la película: “Hay muchos actores no profesionales... les damos papeles que se adaptan a su esencia”.

Al preguntarle cómo combina su vida personal con las largas producciones y festivales, Patiño admite que no es sencillo. “Es un esfuerzo muy grande por mi parte y parte de mi pareja. En el caso de ‘Ariel’, mi hijo llegó justo el día del rodaje... (Cada día) yo terminaba de trabajar y mi hijo venía corriendo a mis brazos”.

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Finalmente, Patiño comenta la importancia de las coproducciones internacionales para proyectos independientes. Su experiencia con “Ariel” fue una colaboración entre Galicia y Portugal. “Hay sinergias entre Galicia y Portugal, y creo que se deberían tejer todavía más puentes... es positivo para generar diálogos y no ensimismarse”.

A través de sus palabras, Patiño expresa su deseo de que estas colaboraciones entre países iberoamericanos sigan creciendo, fortaleciendo el cine independiente y ampliando las oportunidades para proyectos creativos de este tipo. En cuanto a la fecha de estreno de ‘Ariel’, Patiño concluye que aún está en proceso de selección en festivales, pero con una emoción palpable de compartir pronto su nueva obra.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

Un aeropuerto de Nueva Zelanda impuso un límite de tres minutos a los abrazos de despedida, lo que desató un debate sobre cuánto tiempo se puede aferrar a un arrumaco. Los encargados del aeropuerto internacional de la ciudad sureña de Dunedin indicaron que les sorprendió la respuesta viral a la regla impuesta en la zona para dejar pasajeros.

“Para que las cosas fluyan sin problemas, instalamos rótulos nuevos, incluyendo el de ‘Tiempo máximo de abrazos 3 minutos’”, indicó el ejecutivo de la terminal, Daniel De Bono. “Es nuestra forma no convencional de recordar a la gente que la zona de dejar pasajeros es para despedidas rápidas”, explicó.

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“Y no se preocupen, un abrazo de 20 segundos es suficiente para liberar oxitocina y serotonina, las hormonas de la felicidad que aumentan el bienestar, así que tres minutos es suficiente tiempo para despedirse y recibir su dosis de felicidad”, agregó. Quienes desean un abrazo más largo pueden usar el estacionamiento, donde los primeros 15 minutos son gratuitos.

La restricción a los abrazos se hizo viral y causó división de opiniones en redes sociales. “¿Policía de abrazos? ¡Esto es raro! Está probado que los abrazos tienen beneficios, sin mencionar la salud mental”, comentó un usuario en la página de Facebook del aeropuerto. Los topes a los abrazos comenzaron en setiembre sin mayor reacción, pero luego el impacto fue abrumador. “Nos ha sorprendido el interés mundial que ha tenido”, comentó Sarah Soper, ejecutiva de marketing y comunicación del aeropuerto.

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Fuente: AFP.

El director de cine de animación español Coke Riobóo estuvo brindando talleres en nuestro país sobre las técnicas y las posibilidades que ofrece este formato audiovisual para la comunicación y la educación sobre temas sensibles en un lenguaje más amable y ameno. Músico, compositor y animador, dirigió películas y comerciales y ganó un premio Goya, máximo galardón del cine español.

• Por Jorge Zárate
• jorge.zarate@nacionmedia.com
• Fotos: Gentileza / Christian Núñez

El director de cine de animación español Coke Riobóo desarro­lló en las dos primeras sema­nas de este mes un impor­tante taller de la técnica del stop motion con singular éxito en el Centro Cultural de España Juan de Salazar (CCEJS) de Asunción.

“La animación foto a foto para hacer mover objetos inanimados puede reflejar inquietudes políticas, per­sonales y sociales, y es un medio extraordinario para tratar temas comprometidos y espinosos con una variedad de técnicas”, definió el autor de “El viaje de Said”, corto ganador del Premio Goya en 2006.

En dicho taller ofreció un panorama de las herramien­tas tecnológicas y softwares profesionales existentes para la creación de piezas anima­das, cómo crear los persona­jes, cómo crear los decora­dos con materiales variados y dio indicaciones para pla­nificar un cortometraje y una introducción sobre pospro­ducción.

Aquí su diálogo con La Nación/Nación Media:

–Empecé en el mundo de la animación por pura casuali­dad, trabajaba de músico pro­fesional hasta el año 2000 y en el verano se suspendió una gira que iba a hacer con una banda y quedé en casa varado sin nada que hacer.

Así empecé a hacer pruebas con una camarita chiquita de vídeo. Y a partir de ahí, des­pués de tres meses haciendo pruebas, realicé un primer cortometraje muy amateur, muy casero, que ganó muchí­simos premios y, bueno, pues decidí que era una vía intere­sante para poderme expre­sar artísticamente porque daba salida también al gusto que siempre he tenido por el modelaje, por la pintura, por el dibujo... Y también la posibilidad de contar histo­rias de una manera más pro­funda, real y exacta. Enton­ces, gracias a eso empecé a trabajar. Hice varias cositas muy amateurs hasta “El viaje de Said”, con el que gané el premio Goya. Y a raíz de ahí, pues ya la cosa fue rodada y empezaron a ofrecerme tra­bajos y a poderme mantener un poco como animador y como director en la industria.

–Pues creo que es importan­tísimo. Acá no sé cómo estará, pero allá en España todos los chavales tienen tablets, tie­nen teléfonos, pero no se da educación visual, alfabetiza­ción visual en la escuela. En parte yo creo que puede ser también un poco por man­tener a la gente en la ignoran­cia porque la incultura hace a las personas más maleables, más manejables. Creo que es superimportante crear un espíritu crítico y crear una conciencia crítica de las nue­vas generaciones a través del audiovisual. Y que ellos tam­bién sepan leer entre líneas la información visual que les entra constantemente. Es muy complicado porque lo que se consume suele tener muy poca calidad y ser muy inmediato. Entonces, luego cuesta mucho poder ver una peli de autor, películas que tengan ritmos diferentes a las de Marvel o las pelis de acción donde hay un cambio de plano cada dos segundos.

–Formarse audiovisual­mente es fundamental y, a nivel social, por supuesto, hay que reivindicar la herra­mienta audiovisual, en mi caso la animación, como medio también para denun­ciar ciertas situaciones socia­les, económicas y políticas, de una manera amable, de una manera divertida o de una manera distinta, a lo que sería el expresarlo en medios de comunicación, ya sea en periódicos, telediarios y esto.

–En principio me permitió dedicarme a la animación.

Es una historia que, a pesar de no ser marroquí, conté muy de cerca porque llevaba muchísimos años viajando a Marruecos. Cuando empecé a idearla en 2000 y a reali­zarla en 2005 el problema de la migración estaba muy fuerte, pero sobre todo era gente que migraba de Arge­lia y de Marruecos, del norte de África hacia España por el estrecho de Gibraltar. Todos querían cruzar, jugarse la vida y algunos de ellos murieron en el intento. Entonces, esta situación me marcó muchí­simo y decidí que tenía que hablar de alguna manera de este problema, pero no podía denunciarlo o hablar de ello de una manera muy directa.

–A través de un cuento casi infantil, un poco inspirado en el relato de Pinocho, de Carlo Collodi, traté de contar esta historia de una manera suavi­zada, con un toque de humor, negro a veces, un tanto tam­bién crudo y fuerte. Triste­mente, este problema no solo no desapareció, sino que ha ido creciendo y es aprove­chado por ciertos sectores de la política más ultra para cargar las culpas de la econo­mía y de la falta de trabajo en la migración, cosa que no es para nada así. Es muy triste aprovecharse de personas con esta necesidad para hacer política de esta manera tan ruin y tan baja.

–Sí, por suerte. Estoy muy orgulloso porque desde el principio se estuvo proyec­tando en festivales sobre la migración, en eventos de oenegés y ahora mismo en España es una película que se utiliza en casi todas las escuelas públicas como mate­rial didáctico para hablar sobre estos temas: la xeno­fobia, el racismo, el miedo al otro, el miedo al de afuera. Es un material que compró el Ministerio de Cultura y, por supuesto, lo doné a Cruz Roja, a la Agencia de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR) y a todos los que tra­bajan con migrantes. Siempre que me piden proyectarlo en algún tipo de evento de con­cienciación pues tienen licen­cia libre para usarlo.

–La música es el arma secreta y para mí juega un rol superim­portante. Cuando creo mis historias, a veces parto desde la música hacia la animación y otras veces parto desde la ani­mación a la música. Para crear “El ruido del mundo” adapté un sistema que ya estaba bas­tante inventado, que es ani­mar con partitura, darle una equivalencia a los fotogramas y a las corcheas y a las semicor­cheas para poder encontrar la sincronía perfecta con los fotogramas. Esto me permi­tió poder afinar muchísimo y animar de una manera muy musical. Para mí es superim­portante, compongo la música de todos mis cortometrajes, es casi un 30 o un 40 % del resul­tado final de una película.

–¡Muchísimo! Llevo años trabajando como profesor de animación. Desde los ini­cios de mi carrera tuve la oportunidad de ser maestro en la escuela oficial de cine de la Comunidad de Madrid. Y a partir de ahí también he seguido desarrollando muchos cursos por todo el mundo. He estado en varios países africanos, en Asia y, por supuesto, acá en Latinoa­mérica. Y casi todos de mano de la Agencia de Coopera­ción Española, del programa Acerca y de otras modalida­des de cooperación.

–Creo que es darle una opor­tunidad a gente que no sabe cómo funciona esta técnica que se adapta muy bien a las posibilidades de cada per­sona. A gente que a lo mejor no sabe dibujar bien o no sabe modelar bien les permite hacer animación con obje­tos, con comida, con perso­nas, con cualquier cosa que pueda ser susceptible de ser fotografiada. Y entonces te permite abrir una puerta, una herramienta de expre­sión muy potente para la gente. Y sé que allá donde voy plantamos alguna semi­llita y luego, a lo largo de los años, veo cómo esa semi­lla va creciendo. Y estoy en contacto con muchos de los alumnos que he tenido a lo largo de estos 20 años traba­jando con este tipo de talleres y de cursos. Y para mí es un orgullo ver que hay gente que va evolucionando y va consi­guiendo unas películas y un nivel creativo muy potente.

–Para mí es fascinante el poder viajar alrededor del mundo y me ayuda tam­bién a ver un poco distintas maneras de crear, de pensar el imaginario común de cada lugar, en las tradiciones, la cultura oral que hay en cier­tos sitios donde no hay tanta influencia de los mass media y de las grandes corporacio­nes o del manga y el animé japonés. Entonces ves sitios donde esa influencia no es tan fuerte y ves unas creaciones y maneras de armar las histo­rias muy bonitas. Yo aprendo muchísimo con estas expe­riencias. A veces diría que más que mis propios alum­nos. Lo que ellos me pueden ofrecer para ver una variedad tan amplia en haber estado en países tan distintos como Mozambique, Guinea Ecua­torial, Etiopía, Egipto, Jor­dania, Irán, Turquía. Luego, en Latinoamérica estuve en Cuba, Venezuela, México, por supuesto acá. Es mi primera vez en Paraguay y para mí fue una experiencia fascinante y superenriquecedora.

–He visto poco cine en Para­guay, pero he estado escu­chando bastante música folclórica, de fusión, fui al Festival Mundial de Arpa. He visto la película “Siete cajas”, pero cuando regrese a España buscaré la música y el cine que me recomen­daron para ver. En lo que hace a los alumnos que he tenido en el taller, les veo con muchas ganas y mucha pasión. Es verdad que hay un poco de falta de conoci­miento acerca de esta téc­nica, pero sí que algunos ya conocían y que tienen una destreza especial.

–Yo espero que acá también sirva para poder abrir una puerta y que empiece a des­pegar un poco más la anima­ción paraguaya en la técnica de stop motion, aunque por supuesto ya había ejemplos. Creo que hay mucho talento acá y hay que explotarlo más. Sobre todo estaría bien que el cine y en concreto el cine de animación tuviesen más ayu­das para poder realizar estas películas, porque son proce­sos muy largos que requieren de un poquito de esfuerzo y de ayuda monetaria para poder realizarlos.

El reconocimiento consiste en un apoyo para el desarrollo de una nueva película.

La cineasta paraguaya Arami Ullón, directora de “El tiempo nublado” y “Apenas el sol”, recibió esta semana el premio del Fondo Cultural de la Sociedad Suiza de Autores (SSA), como apoyo para el desarrollo de su largometraje que tendría como título “Fuegas”. La película explorará la relación con nuestra sexualidad en la vejez.

El Fondo Cultural SSA apoya a autores de artes escénicas y del audiovisual a través de becas y premios, con el objetivo de fomentar la producción, representación pública y difusión de sus obras.

“Fuegas” fue uno de los cuatro proyectos ganadores de las Becas Documentales de esta sociedad de autores, destacándose por su gran potencial.

En Paraguay, Ivana Urízar lidera la producción de “Fuegas”. Además de desarrollar “Fuegas”, Ullón trabaja también en su tercer filme, “Llámame cuando sople el viento”, que se encuentra en etapa de producción y será filmado próximamente en Japón.