Hablar del guasón (o el Joker) y su archienemigo Batman es hablar de elementos de la cultura pop. Sus nombres e iconografía ya aseguran una movida comercial importante. A priori, podemos hablar de algo que está pensado para el mero éxito comercial. Pero Todd Phillips fue más allá y convirtió a este Joker en una pieza artística.

Texto: Luis Ríos Florentín

“Basada en el personaje de DC Comics”, se lee al inicio de los créditos finales. Por ahí pasa la clave. No tenemos la clásica historia de Batman peleando contra el Guasón para defender Ciudad Gótica. Se toma a la figura de acción del universo ficticio y se lo pone en este mundo a merced de la realidad.

Conocemos a Arthur Fleck, un joven que padece un trastorno neurológico que lo hace reír en momentos inapropiados. Trabaja como payaso a sueldo y vive con su madre mientras sueña con alcanzar la fama como comediante de stand up y tener su propio Late Night Show en tv abierta.

Esto trascurre en una ciudad que se derrumba bajo el desempleo, el crimen y la ruina financiera. Dejando segmentos de la población privados de sus derechos y empobrecidos. Por supuesto, ampliando la brecha entre ricos y pobres al borde del estallido social.

Eso hace (independientemente de todos los análisis médicos, sociales, políticos o económicos que corrieron en redes) que veamos cuales fueron los motivos que lo llevaron a convertirse en el eterno antagonista. La escena en la que por fin puede hablar con Thomas Wayne y le pide quebrado en lágrimas que deje tratarlo mal, es el mejor cuadro para reflejar el contexto en el que se desarrolla la trama. Un fragmento conmovedor en extremo.

Pero todos los elementos no servirían de nada sin la actuación, que en el caso de Joaquin Phoenix, es sublime. Ya el tráiler daba muestras de lo impactante que sería su interpretación.

Y es que el Guasón venía de una importante decepción con Jared Leto en Suicide Squad. Dicha performance venía (con una apoteósica campaña publicitaria previa al estreno) con un Óscar bajo el brazo por su —brillante— rol en Dallas Buyers Club.

Interpretar al Joker después de la recordada actuación de Heath Ledger en Batman: el caballero de la noche (2008), representaba un gran desafío para Jared Leto. Era la oportunidad de dejar huella en la pantalla grande con un personaje de culto en la cultura popular. Los cañones de la publicidad apuntaron a ello pero algo falló. Ya sea por la austeridad de Warner o en la inexperiencia de su director David Ayer, la cinta no fue lo que esperaba y el guasón de Leto generó más críticas que aplausos.

Así llegamos a este guasón “alternativo”, si se quiere. Todd Phillips, un hombre que tiene en su currículo a películas como la trilogía The Hangover y Proyect X toma al personaje y lo muestra desde la perspectiva de alguien a quien la desigualdad social nunca le dio una oportunidad. Una víctima del sistema decadente. Sabemos que eso conduce a mucho sufrimiento y genera a su vez resentimiento.

El retrato de este Joker puede ser el de cualquier persona que un día dice basta y rompe el cetro. Y se convierte en referente e ídolo de quienes se identifican con él. A partir de ahí comienza el cambio de paradigmas y las consecuentes revueltas. En este caso, inicia una rivalidad antológica correctamente retratada con el final del famoso callejón, el asalto y el collar de perlas.

Las poco más de dos horas pasan en un pestañeo. Es espectador puede pasar por una amplia gama de sensaciones negativas por el encandilamiento de lo que se proyecta; un escenario real y palpable.

En ciertas partes, la película hace algunos guiños a las tramas de la saga de videojuegos Batman: Arkham,como haciendo el fan service que muchos piden desde que existe la saga.

En el epílogo, vemos a Arthur encerrado en un manicomio (que es posiblemente el de Arkham). Riéndose para sí mismo, su psiquiatra le pide que le cuente el chiste; él responde que ella no lo entendería.

Posteriormente, vemos a Arthur siendo perseguido por los pasillos por los ordenanzas, dejando un rastro de huellas ensangrentadas detrás de él. Abriendo las puertas a una secuela o a una nueva saga porque a esa altura el pequeño Bruce ya tenía un trauma (irónicamente no causado por Arthur). Nos queda esperar qué hace ese niño y qué ofrece el nuevo Batman; Robert Pattinson.

En un mundo en el que seres con habilidades únicas dominan el mercado cinematográfico y tocan los corazones del público vendiendo historias nobles, aparece una serie que, a través de la burla, desnuda su verdadera intención: hacer dinero.

Texto: Luis Ríos Florentín @nosoyunvampire

Estrenada en Amazon Prime Video, The Boys viene a romper esquemas establecidos. Basada en el cómic creado por Garth Ennis y Darick Robertson entre 2006 y 2008 (cuenta con 72 números), esta serie se convirtió en la ficción más vista de la plataforma y tiene una puntuación casi perfecta en la página IMdB.

La misma es una sátira a toda la parafernalia instalada en el mercado por Marvel y DC desde hace —por lo menos— 12 años y se convierte en un tremendo dolor de cabeza para lo que intentan vender estos seres que custodian la galaxia y a sus habitantes.

Todo esto, fríamente planificado por estrategias narrativas de marketing, publicidad y activaciones en redes sociales que logran una relación de confianza entre ellos (la marca y sus productos) y el espectador (el consumidor). Lo que se conoce como branded content o contenido de valor de una marca.

En diferentes áreas de la sociedad vemos como las personas van adquiriendo fama y estatus. Esto se vuelve un cóctel nocivo si le agregamos poder con una pata política. Aquí comienzan los abusos con vicios como la corrupción, la búsqueda obsesiva de requisas, el hedonismo y más.

Ahora, ¿qué pasaría si a esta mezcla le agregáramos superpoderes? Eso es lo que nos muestra The Boys. Así llegamos a este escenario en donde a los superhéroes se les sube la fama a la cabeza; enloquecen, pasan a ser corruptos y usar su status para promoverse aún más.

Una transformación que podemos ver en cualquier mortal que quiere llegar a puestos de poder. Pero (¿solo?) en este caso, se puede poner en riesgo a la propia población del planeta.

Para el estreno de Avengers Endgame, Marvel no escatimó recursos para tirar la casa por la ventana y lanzó una campaña de promoción de más de 200 millones de dólares. El resultado de esta y otras jugadas derivó en que se haya convertido en la película más taquillera de la historia, por sobre Avatar.

Entonces, esta búsqueda por llegar a lo más alto de la jerarquía y estar por encima del bien y del mal, viene acompañada de una estrategia publicitaria asimétrica que tiene su ejecución en redes sociales. Cada acción está estrictamente calculada y analizada para viralizarse y convertirse en tendencia positiva.

Una linda tocada de oreja a esas visitas “casuales” que por ejemplo hacía Tom Holland vestido de Spiderman a niños en los hospitales, justo semanas antes del estreno de las películas en donde está el Hombre Araña o la propia Gal Gadot en su personaje de Wonder Woman recorriendo escuelas y hablando con niñas sobre el valor y empoderamiento de la mujer.

Volviendo a la historia, al estar ya “contaminados” con las mieles del poder, sus placeres pecaminosos deben ser cuidadosamente resguardados para no ser bocadillo de la prensa. Por eso, hay un equipo de crisis en caso de que los grandes protectores de la humanidad queden expuestos. Muy parecido a la vida personal de algunos actores cuyas carreras fueron salvadas al firmar como integrante del universo de las franquicias actuales.

Todo comienza con Hughie (Jack Quaid) un tipo normal que es fan de este escuadrón y se ve decepcionado por una desafortunada acción de A-Train (Jessie T. Usher) y su displicente disculpa, que no es más que una orden del equipo de marketing para no perder la buena imagen ante la opinión pública.

En los primeros capítulos se puede ver cómo el ideal de héroe se derrumba. Un fenómeno visto a lo largo de la historia, cuando los simples mortales conocían a sus ídolos y se daban cuenta de que no eran lo que aparentaban en pantalla.

En fin, todo es una gran agencia de publicidad vendiendo un producto que tiene un lindo envoltorio, pero por dentro es defectuoso: a nadie realmente le interesa el bienestar de la gente o lo que quiere el consumidor.

Es aquí donde aparecen Los Chicos (The Boys) un equipo de la CIA preparado para combatirlos. Estos agentes tienen la misión de vigilarlos, así como controlar el surgimiento de nuevos superhéroes.

En las películas, nos venden siempre que por más fuerte que sea el villano, los buenos terminan ganando con más o menos esfuerzo. En The Boys, nos demuestran lo que vemos todos los días; que quien tiene el poder no lo va perder y va a mover sus tentáculos para erradicar rivales y generalmente, lo termina consiguiendo.

Se trata de una muy interesante e inteligente trolleada en tiempos en los que criticar a deidades en el Social Media es cuasal de inquisición digital y en donde uno debe ser muy valiente para emitir “peros” a algo tomado como absolutamente bueno por los “líderes de opinión” de la nueva generación.

Seth Rogen, una de las mentes detrás del desarrollo de la serie, ha revelado que la segunda temporada será todavía más grande y mucho mejor que la primera. Eso lo esperamos también nosotros.

Las desventuras de un despensero que se ve “fuera de juego” en casi todas las situaciones de su vida, y que se complica aún más cuando el negocio familiar puede perderse, llega a los cines el 15 de agosto.

Texto: Jazmín Gómez Fleitas

@jazgomezf

Fotos: Gentileza

“Orsai” palabra aceptada por la Real Academia Española, no es sino la manera coloquial para referirse al “offside”, término especialmente conocido en el fútbol. El vocablo señala la posición en la que el jugador queda fuera de juego y además describe a la perfección todas las situaciones que atraviesa Rafael (Alfaro), el hijo mayor de la familia Caballero y encargado de la despensa familiar.

Cuando por un error de su hermano, que invierte en un jugador de fútbol prometedor, Rafael recibe una citación a una audiencia para tratar el embargo de la despensa, él se verá en la necesidad de hacer todo lo que esté a su alcance para salvar el sustento familiar.

“Esta historia nace con la idea de impulsar una industria paraguaya y un cine comercial. Un cine de un presupuesto independiente, acotado y atractivo para toda la gente. Nos dimos cuenta de que muchas películas que ya había acá tenían toques de comedia, pero ninguna era de comedia. Y siempre escuchábamos a la gente que se moría de la risa con algunas películas y decíamos ‘acá falta una comedia’ constantemente. Y entonces nos animamos al desafío”, describe el escritor y director, Emiliano Gómez.

Emiliano, argentino de nacionalidad, y residente en el país desde el 2011, se inspiró en su despensa del barrio para la historia. Una que se desarrolla en tiempo actual y que plantea situaciones propias de nuestra idiosincrasia. Para el guion, destaca la influencia de series y películas argentinas, tanto de los 90 y 2000, pero con los condimentos muy propios de Latinoamérica. Como, por ejemplo, el fútbol y la familia, los cuales también nos identifican.

“Cuando vivía en Buenos Aires me pasaba que tuvimos un videoclub y pasa lo que con los locales de barrio: sos el psicólogo del barrio. La gente viene y te cuenta todos sus problemas. Me pasaba que venía gente que se quedaba cuatro horas hablando, se iba y no me había comprado nada. Venía a charlar no más. Entonces las despensas y los locales de barrio mantienen ese calor, ese contacto humano”, añade.

A lo que el actor Héctor Silva —quien además de interpretar al amigo de Rafael, ofició de coach actoral para el elenco— agrega: “Lo que se plantea de la despensa en la película es justamente esa cosa de empresa familiar, de que todos van llevando ese carro adelante con lo difícil que significa hoy, tener una. Donde se mantiene la libreta, el ‘te anoto’. Que de última son financistas, porque está el ‘te pago a fin de mes’ y no como algo menor, sino con la financiación de la comida. Un rol social importantísimo a costa de su propio ingreso y de arriesgar a veces su propia ganancia. Como le pasa al protagónico, de verse en esa situación límite. Que, ante la pérdida de todo, aparece esa cosa paraguaya de darte la mano, que es lo interesante de la película. Me gustó desde un principio porque no tiene cosas chabacanas ni sexistas, me recordó a las comedias que yo veía de niño, comedias sanas, donde se planteaban situaciones triviales, de todos los días”.

Antes de la luz, la cámara y acción

La idea de hacer Orsai cobra vida en diciembre de 2016. Al proyecto, enseguida se suma Rafael Alfaro (protagonista y también productor ejecutivo) y ni bien Emiliano termina de escribir el guion, juntos contactan a Héctor. Para ese entonces ya era febrero de 2017 y se dieron cuenta que sería más fácil conseguir los fondos si realizaban un teaser de la película.

El presupuesto aproximado de la película oscila los 200 y 250 mil dólares. La película no cuenta con fondos del Estado, todo lo consiguieron golpeando puertas y haciendo lobby con empresas privadas. “Recién ahora en Paraguay las empresas están dimensionando cómo sacarle el jugo a una inversión en cine. Como no hay tampoco históricamente un oficio para saber cómo recuperar, que justifique ese know how en marketing, todo es muy a pulmón. Esperamos que ahora con la Ley de Cine se pueda ordenar e impulsar el apoyo del Estado”, comenta Rafael.

A partir de ahí empezó un proceso de un año, año y medio de reuniones, y a lo largo del tiempo también iba evolucionando el guion. Hubo 22 versiones del guion. Y se fue acomodando y adaptando. Cuando terminó el proceso comercial y se decidió una fecha de estreno, vino el proceso de la audición para el reparto, a cargo de Héctor.

El paso a paso de hacer cine

Teniendo los fondos hay luz verde para la preproducción. Comienza la búsqueda de locación, la audición para seleccionar el reparto, el vestuario. “Esa parte es la más difícil. Es el karaku (la parte fundamental del asunto en lengua guaraní), de la película. Si le erraste al casting va a ser cuesta arriba todo. Es donde hay que hilar más fino, bordar con mucho cuidado. Lo difícil, ¿a quién le doy el papel?”, relata Héctor, que cuenta con más de 35 años de oficio actoral.

Al elenco se sumaron Paola Maltese (que arrancó su carrera actoral en el 2005 con Gonzalez vs Bonetti), Amada Gómez (con 50 años en la escena nacional e internacional), Renato Gómez (Los buscadores), Martín Oviedo (7 cajas, Los buscadores), Tomás Arredondo (protagonista de Los buscadores) y Édgar Vivar, reconocido por sus personajes de El Señor Barriga y Ñoño en El Chavo del 8.

“Quisimos homenajear a esos grandes actores que en una época fueron muy importantes en televisión y que con los años quedaron en el olvido y que ya uno no los ve mucho. De eso se trata también la participación de Vivar”, confiesa el director.

Los ensayos se iniciaron dos meses antes del rodaje, tres veces por semana y cuando ya se acercaba la fecha del rodaje, 15 días antes empezaron a ensayar todos los días a razón de tres horas, algo sumamente importante para Héctor. “La mayoría de los proyectos en los que he participado, siete largos y unas 14 miniseries acá, nos juntábamos a hablar del personaje y un día antes del rodaje para pasarla entre todos. A rodar y se acabó. La versión que cada uno más o menos inventaba de su personaje, unos menos y otros nada, porque no tenían dirección. Entonces, claro, después salen historias flojas, que no llegan a convencer tanto a la gente. En el teatro se trabaja así: dos meses, cuatro horas al día antes del estreno”.

La grabación empezó el 8 de julio del año pasado hasta la primera semana de agosto, en Limpio. Fueron cinco semanas en total y muchas noches largas. Ya que las jornadas de rodaje son de 14 horas al día, 6 días a la semana. “Nosotros destacamos esto: que la gente terminó el rodaje sintiéndose muy bien, que la pasó genial. Y remarcamos esto porque es una comedia, si la gente que trabajó ahí se siente mal no sería un buen augurio”, comenta Emiliano.

Todo el proceso de la película es 100% paraguayo. Desde la preproducción hasta la postproducción. “Buscamos que todos los procesos se hagan acá, para demostrar que en el país se puede hacer buenas cosas y que no es necesario traer gente de afuera”, agrega el director.

La cantidad de personas que vayan al cine en su semana de estreno definirá su permanencia en las salas, lo que contribuirá a recuperar lo invertido, en taquilla. Por eso Emiliano invita: “La película no es pretenciosa. Es para que la pasen bien, se entretengan, se distraigan. Salgan del cine con una sonrisa y vayan con toda la familia. La primera semana en las películas nacionales es fundamental, es la que mide si te van a dejar en la cartelera el resto de la semana o te van a sacar. A todos nos gustaría que vayan para que el cine nacional se mantenga en la cartelera”.

Texto: Micaela Cattáneo

El éxito de la banda sonora de The Greatest Showman, musical basado en la vida P. T. Barnum —presentador circense del siglo XIX— cayó este año como lluvia de meteoritos, disparando una cantidad elocuente de reproducciones en streaming y coleccionando una cifra récord en venta de discos físicos. Prueba de ello es que se mantuvo en el primer puesto del Official Albums Chart, de Reino Unido, durante 19 semanas.

A estos títulos, hay que sumarle el Globo de Oro por This is me y su nominación a Mejor canción original en los Óscar 2018. A un año de su estreno, el balance es sumamente positivo, sobre todo por tratarse de un género cinematográfico que, hasta ahora, genera disyunciones en el público. La banda sonora de la película rompió con esa estructura y conquistó a los oídos más herméticos.

Por eso, el show debía continuar. El 16 de noviembre pasado, se lanzó The Greatest Showman: Reimagined, un álbum que recoge las canciones del musical y las lleva a matices familiares. Los artistas originales, esta vez, son espectadores, y su lugar en el escenario es ocupado por intérpretes grandiosos como los integrantes de Panic! At The Disco, P!nk, Kelly Clarkson, Kesha, entre otros. Y parafraseando la portada del disco, lo que resta queda sujeto a la imaginación.

Canción necesaria: Todas tienen un destaque pop importante. Pero la versión de A million dreams, de P!nk, es memorable, genuina y tierna (más aún luego de ver el video del momento en que graba la canción, con su hija de 7 años).