Una loma de Paraisópolis, la segunda mayor favela de Sao Paulo, es el pedestal de la obra de Estevão Silva da Conceição: un pintoresco castillo de geometría irregular que le ha valido a su creador el apodo del “Gaudí brasileño”. La obra de este antiguo jardinero y albañil, de 67 años, construida a lo largo de cuatro décadas en lo que fue su casa, se alza en medio de una empinada cuadra donde se destaca sin grandes esfuerzos gracias a baldosas coloridas y quebradas, platos de cerámica y piedras marrones instaladas en la fachada.

El “Castelinho”, como lo llaman en la zona, se ha convertido en una atracción turística del empobrecido barrio por su parecido con el Park Güell, una de las creaciones insignia del arquitecto catalán Antoni Gaudí (1852-1926) en Barcelona. Pero este brasileño de bigote canoso y hablar pausado, nacido en Santo Estevão, en Bahia (nordeste), no había oído hablar del genio español cuando puso en marcha su creación. “Hice un trabajo parecido al de Gaudí, sin copiarlo. Hago lo que me sale de la cabeza”, dice a la AFP. “No estudié nada y pude hacer una obra de arte (...) Hoy, me siento un artista”.

La semejanza del “Castelinho” con los diseños de Gaudí fue descubierta por un estudiante a principios de siglo. El cineasta brasileño Sergio Oksman se interesó en la historia y grabó el documental “Gaudí en la favela” (2002), por el cual Silva viajó en 2001 a Barcelona a conocer la obra del célebre artista catalán. Tras la publicación del filme, el castillo se convirtió en un sitio de visita para locales y extranjeros en Paraisópolis, de más de 100.000 habitantes. La entrada cuesta el equivalente a cinco dólares.

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“Me pareció increíble cómo un espacio tan pequeño fue creciendo y creciendo”, opina Celly Monteiro Mendes, una visitante llegada desde Manaos, en la Amazonía brasileña. Desde una sala con aires de cueva, esta pianista de 24 años observa asombrada los detalles que hay en cada rincón de la fortaleza, levantada en un predio de sesenta metros cuadrados y de cuatro pisos, con pasajes casi laberínticos y techos bajos erigidos a partir de conocimientos empíricos.

El “Gaudí brasileño” llegó a Sao Paulo en 1977 en busca de un futuro mejor. Desde entonces trabajó en jardinería, albañilería y vigilancia. En 1985, compró el terreno donde se levanta el castillo, también conocido como la Casa de Piedra, y dio rienda suelta a su imaginación. “Quería tener un jardín, algo diferente. No pensé que se iba a convertir en una obra de arte conocida mundialmente ni parecida a la obra de Gaudí, de lo contrario la habría hecho más alta. La hice para mí, y luego se convirtió en un punto turístico”, explica.

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Al principio, plantó un rosal y construyó una estructura de hierro para sostenerlo, la cual sirvió de base para la calahorra, pero las plantas crecían muy rápido y dejaban muchas hojas que recoger. Optó entonces por arrancar el matorral y cubrir el hierro con concreto. Añadió piedras en la superficie, para “refrescar el ambiente”, y un plato roto que tenía a mano. Los objetos quebrados o de segunda se convirtieron en su sello.

Un sinfín de azulejos, conchas, canicas, botellas y monedas dan relieve a las paredes interiores, decoradas con juguetes de plástico, carritos de metal, tazas, bandejas, animales de lata, carcasas de celulares y teléfonos viejos comprados en bazares o regalados por los visitantes. A medida que se trepan escaleras estrechas aparecen plantas y se escuchan pájaros cantando. La vista desde la azotea da cuenta de la desigualdad de Sao Paulo: la favela en primer plano; un poco más lejos, imponentes edificios blancos del barrio acomodado de Morumbi.

“Llevo 39 años haciendo esto. He sudado aquí. Así que hay que decir que es el trabajo de mi vida”, afirma Silva, ahora pensionado. “No sé si voy a finalizarlo antes de morir; solo Dios lo sabe”, sostiene antes de explicar que le queda terminar la terraza. De lo contrario, su obra quedará inacabada como la basílica de la Sagrada Familia de Gaudí en Barcelona, en construcción desde hace más de 140 años.

Fuente: AFP.

El Instituto Paraguayo de Artesanía (IPA) invita a la ciudadanía a conocer, apreciar y valorar la cestería nacional, de modo de darle uso en reemplazo de los habituales bolsos de plástico. La idea también, además de sostener en el tiempo esta noble cultura autóctona, es promocionar el trabajo de las artesanas y fomentar el sector.

Para ello, el IPA está lanzando un catálogo de cestería 2024, el cual propone opciones de arte indígena y tradicional, con una diversidad de productos hechos a manos por los artesanos que utilizan diferentes fibras vegetales existentes en el Paraguay.

Al respecto, la presidenta de la institución, Andrea Vázquez, mencionó que están trabajando mucho con el marketing digital y que los propios artesanos se esmeran sacando fotos y difundiendo en sus redes para ayudar a vender cuando no hay feria.

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“Estamos lanzando hoy el catálogo para que la ciudadanía conozca el tipo de cestería que tenemos en el país, que a partir de hoy está disponible en nuestra página web en un PDF y también a través de nuestras redes vamos a lanzar para ayudar a difundir”, expresó a la 920 AM.

Vázquez indicó que se tiene ubicados a alrededor de 3.000 artesanos en todo el país y toda la cadena de valor que representa, por lo que la idea con este catálogo es dar a conocer los materiales que se utilizan en diferentes lugares, no solamente comunidades indígenas sino también en Itá e Itauguá.

La titular del IPA mencionó a la vez que además de este catálogo, estarán lanzando las canastas de Navidad, de modo a que puedan ser una opción para los regalos de fin de año, y que en diciembre se realizará la feria navideña.

Agregó que muchas de las materias primas, según la localidad de producción, actualmente están atravesando fuertes amenazas y problemáticas ambientales que dificultan la obtención de las mismas y su proceso de elaboración.

Es por eso que instan a la ciudadanía a elegir la cestería nacional en reemplazo del uso del plástico, a fin de contribuir con la sostenibilidad y salvaguarda de los saberes de las comunidades y de los pueblos. Asimismo, cuidar el medio ambiente y poner en valor la producción nacional.

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El Instituto Superior de Bellas Artes (ISBA) otorgará el título de doctorado honoris causa a ilustres figuras del arte, de trascendental trayectoria, que han dejado sus huellas a lo largo de los años en la institución. El acto se celebrará el miércoles 23 de octubre, a las 9:00, en la Biblioteca y Archivo Central del Congreso Nacional, ubicado en Río Ypané esquina Coronel Paulino Alén Benitez , en Asunción.

Entre los homenajeados se encuentran Elizabeth Arzamendia, excoordinadora del Departamento de Danza, bailarina, profesora superior en danza clásica, licenciada en Danza; Petrona Villagra, especialista en restauración con 50 años de trayectoria, excoordinadora del Departamento de Restauración de Bellas Artes; Gregorio Colmán, docente y locutor llevó las cátedras de Comunicación Oral y Escrita y Lengua y Cultura Guaraní; Rubén Orué, quien cursó estudios en la Habana (Cuba), llevó la cátedra de Historia del Arte, Antropología del Arte, Crítica del Arte I y II, Seminario de Arte y Artesanía del Paraguay en Bella Artes.

La lista sigue con la actriz y directora de teatro Maluli Vera; Erenia López, directora, actriz, escritora, docente de teatro, narradora oral, investigadora y licenciada en letras; Norberto Fandos, docente y artista plástico. Todos ellos, docentes que han pasado por el ISBA y que han entregado lo mejor de sí a la institución y por mucho tiempo, cuando el amor y la entrega a la profesión se hace indeleble a lo largo de los años más allá de las aulas.

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También habrá dos distinciones póstumas, para Alejandra García, artista plástica, profesora superior de artes plásticas, que se ha desempeñado como docente en el ISBA con la cátedra de Arte Contemporáneo y en el Taller de Grabado; y fue socia fundadora de la Asociación Gente de Arte; así como para Antonio Ayala, quien fue docente, actor y director de teatro; estudió en la Universidad Federal de Río de Janeiro, e integró el Teatro Popular de Vanguardia.

El 26 de abril de 1957, el Instituto Superior de Bellas Artes (ISBA) inició su labor en la importante tarea de la formación en el arte. A partir del año 2018, bajo la ley n.º 6228/18, es reconocido como ente autárquico y autónomo circunscribiendo su acción al área de las ciencias de la educación artística, con planes y programas de estudio de alta exigencia, la investigación y la extensión académica, cuenta con las licenciaturas en Artes Visuales, Teatro, Diseño Gráfico, Música y Danza.

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El director de cine de animación español Coke Riobóo estuvo brindando talleres en nuestro país sobre las técnicas y las posibilidades que ofrece este formato audiovisual para la comunicación y la educación sobre temas sensibles en un lenguaje más amable y ameno. Músico, compositor y animador, dirigió películas y comerciales y ganó un premio Goya, máximo galardón del cine español.

• Por Jorge Zárate
• jorge.zarate@nacionmedia.com
• Fotos: Gentileza / Christian Núñez

El director de cine de animación español Coke Riobóo desarro­lló en las dos primeras sema­nas de este mes un impor­tante taller de la técnica del stop motion con singular éxito en el Centro Cultural de España Juan de Salazar (CCEJS) de Asunción.

“La animación foto a foto para hacer mover objetos inanimados puede reflejar inquietudes políticas, per­sonales y sociales, y es un medio extraordinario para tratar temas comprometidos y espinosos con una variedad de técnicas”, definió el autor de “El viaje de Said”, corto ganador del Premio Goya en 2006.

En dicho taller ofreció un panorama de las herramien­tas tecnológicas y softwares profesionales existentes para la creación de piezas anima­das, cómo crear los persona­jes, cómo crear los decora­dos con materiales variados y dio indicaciones para pla­nificar un cortometraje y una introducción sobre pospro­ducción.

Aquí su diálogo con La Nación/Nación Media:

–Empecé en el mundo de la animación por pura casuali­dad, trabajaba de músico pro­fesional hasta el año 2000 y en el verano se suspendió una gira que iba a hacer con una banda y quedé en casa varado sin nada que hacer.

Así empecé a hacer pruebas con una camarita chiquita de vídeo. Y a partir de ahí, des­pués de tres meses haciendo pruebas, realicé un primer cortometraje muy amateur, muy casero, que ganó muchí­simos premios y, bueno, pues decidí que era una vía intere­sante para poderme expre­sar artísticamente porque daba salida también al gusto que siempre he tenido por el modelaje, por la pintura, por el dibujo... Y también la posibilidad de contar histo­rias de una manera más pro­funda, real y exacta. Enton­ces, gracias a eso empecé a trabajar. Hice varias cositas muy amateurs hasta “El viaje de Said”, con el que gané el premio Goya. Y a raíz de ahí, pues ya la cosa fue rodada y empezaron a ofrecerme tra­bajos y a poderme mantener un poco como animador y como director en la industria.

–Pues creo que es importan­tísimo. Acá no sé cómo estará, pero allá en España todos los chavales tienen tablets, tie­nen teléfonos, pero no se da educación visual, alfabetiza­ción visual en la escuela. En parte yo creo que puede ser también un poco por man­tener a la gente en la ignoran­cia porque la incultura hace a las personas más maleables, más manejables. Creo que es superimportante crear un espíritu crítico y crear una conciencia crítica de las nue­vas generaciones a través del audiovisual. Y que ellos tam­bién sepan leer entre líneas la información visual que les entra constantemente. Es muy complicado porque lo que se consume suele tener muy poca calidad y ser muy inmediato. Entonces, luego cuesta mucho poder ver una peli de autor, películas que tengan ritmos diferentes a las de Marvel o las pelis de acción donde hay un cambio de plano cada dos segundos.

–Formarse audiovisual­mente es fundamental y, a nivel social, por supuesto, hay que reivindicar la herra­mienta audiovisual, en mi caso la animación, como medio también para denun­ciar ciertas situaciones socia­les, económicas y políticas, de una manera amable, de una manera divertida o de una manera distinta, a lo que sería el expresarlo en medios de comunicación, ya sea en periódicos, telediarios y esto.

–En principio me permitió dedicarme a la animación.

Es una historia que, a pesar de no ser marroquí, conté muy de cerca porque llevaba muchísimos años viajando a Marruecos. Cuando empecé a idearla en 2000 y a reali­zarla en 2005 el problema de la migración estaba muy fuerte, pero sobre todo era gente que migraba de Arge­lia y de Marruecos, del norte de África hacia España por el estrecho de Gibraltar. Todos querían cruzar, jugarse la vida y algunos de ellos murieron en el intento. Entonces, esta situación me marcó muchí­simo y decidí que tenía que hablar de alguna manera de este problema, pero no podía denunciarlo o hablar de ello de una manera muy directa.

–A través de un cuento casi infantil, un poco inspirado en el relato de Pinocho, de Carlo Collodi, traté de contar esta historia de una manera suavi­zada, con un toque de humor, negro a veces, un tanto tam­bién crudo y fuerte. Triste­mente, este problema no solo no desapareció, sino que ha ido creciendo y es aprove­chado por ciertos sectores de la política más ultra para cargar las culpas de la econo­mía y de la falta de trabajo en la migración, cosa que no es para nada así. Es muy triste aprovecharse de personas con esta necesidad para hacer política de esta manera tan ruin y tan baja.

–Sí, por suerte. Estoy muy orgulloso porque desde el principio se estuvo proyec­tando en festivales sobre la migración, en eventos de oenegés y ahora mismo en España es una película que se utiliza en casi todas las escuelas públicas como mate­rial didáctico para hablar sobre estos temas: la xeno­fobia, el racismo, el miedo al otro, el miedo al de afuera. Es un material que compró el Ministerio de Cultura y, por supuesto, lo doné a Cruz Roja, a la Agencia de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR) y a todos los que tra­bajan con migrantes. Siempre que me piden proyectarlo en algún tipo de evento de con­cienciación pues tienen licen­cia libre para usarlo.

–La música es el arma secreta y para mí juega un rol superim­portante. Cuando creo mis historias, a veces parto desde la música hacia la animación y otras veces parto desde la ani­mación a la música. Para crear “El ruido del mundo” adapté un sistema que ya estaba bas­tante inventado, que es ani­mar con partitura, darle una equivalencia a los fotogramas y a las corcheas y a las semicor­cheas para poder encontrar la sincronía perfecta con los fotogramas. Esto me permi­tió poder afinar muchísimo y animar de una manera muy musical. Para mí es superim­portante, compongo la música de todos mis cortometrajes, es casi un 30 o un 40 % del resul­tado final de una película.

–¡Muchísimo! Llevo años trabajando como profesor de animación. Desde los ini­cios de mi carrera tuve la oportunidad de ser maestro en la escuela oficial de cine de la Comunidad de Madrid. Y a partir de ahí también he seguido desarrollando muchos cursos por todo el mundo. He estado en varios países africanos, en Asia y, por supuesto, acá en Latinoa­mérica. Y casi todos de mano de la Agencia de Coopera­ción Española, del programa Acerca y de otras modalida­des de cooperación.

–Creo que es darle una opor­tunidad a gente que no sabe cómo funciona esta técnica que se adapta muy bien a las posibilidades de cada per­sona. A gente que a lo mejor no sabe dibujar bien o no sabe modelar bien les permite hacer animación con obje­tos, con comida, con perso­nas, con cualquier cosa que pueda ser susceptible de ser fotografiada. Y entonces te permite abrir una puerta, una herramienta de expre­sión muy potente para la gente. Y sé que allá donde voy plantamos alguna semi­llita y luego, a lo largo de los años, veo cómo esa semi­lla va creciendo. Y estoy en contacto con muchos de los alumnos que he tenido a lo largo de estos 20 años traba­jando con este tipo de talleres y de cursos. Y para mí es un orgullo ver que hay gente que va evolucionando y va consi­guiendo unas películas y un nivel creativo muy potente.

–Para mí es fascinante el poder viajar alrededor del mundo y me ayuda tam­bién a ver un poco distintas maneras de crear, de pensar el imaginario común de cada lugar, en las tradiciones, la cultura oral que hay en cier­tos sitios donde no hay tanta influencia de los mass media y de las grandes corporacio­nes o del manga y el animé japonés. Entonces ves sitios donde esa influencia no es tan fuerte y ves unas creaciones y maneras de armar las histo­rias muy bonitas. Yo aprendo muchísimo con estas expe­riencias. A veces diría que más que mis propios alum­nos. Lo que ellos me pueden ofrecer para ver una variedad tan amplia en haber estado en países tan distintos como Mozambique, Guinea Ecua­torial, Etiopía, Egipto, Jor­dania, Irán, Turquía. Luego, en Latinoamérica estuve en Cuba, Venezuela, México, por supuesto acá. Es mi primera vez en Paraguay y para mí fue una experiencia fascinante y superenriquecedora.

–He visto poco cine en Para­guay, pero he estado escu­chando bastante música folclórica, de fusión, fui al Festival Mundial de Arpa. He visto la película “Siete cajas”, pero cuando regrese a España buscaré la música y el cine que me recomen­daron para ver. En lo que hace a los alumnos que he tenido en el taller, les veo con muchas ganas y mucha pasión. Es verdad que hay un poco de falta de conoci­miento acerca de esta téc­nica, pero sí que algunos ya conocían y que tienen una destreza especial.

–Yo espero que acá también sirva para poder abrir una puerta y que empiece a des­pegar un poco más la anima­ción paraguaya en la técnica de stop motion, aunque por supuesto ya había ejemplos. Creo que hay mucho talento acá y hay que explotarlo más. Sobre todo estaría bien que el cine y en concreto el cine de animación tuviesen más ayu­das para poder realizar estas películas, porque son proce­sos muy largos que requieren de un poquito de esfuerzo y de ayuda monetaria para poder realizarlos.