“Interior Chinatown”, una serie detectivesca en la que un mesero asiático se convierte en el improbable héroe de una conspiración criminal policíaca, satiriza el tratamiento estereotipado que Hollywood le da a las minorías al tiempo que muestra el progreso que ha dado la industria con cierto retraso. La nueva serie de Disney está basada en la aclamada novela de Charles Yu, autor estadounidense de ascendencia taiwanesa.

El éxito de ventas de 2020 trajo una bien humorada perspectiva del racismo en la sociedad estadounidense a través de las aventuras de Willis Wu, un extra de Hollywood que sólo conseguía roles como un oriental de fondo, pero quien soñaba con convertirse un día en algo como el hombre del Kung Fu. Yu figura como el director creativo de la serie de televisión.

“Crecí viendo televisión en los años 1980 y 1990, y nunca veía a asiáticos. Era como si no existieran”, dijo en julio en una rueda de prensa. “Existían en la vida real, cuando salía a la calle, pero no en mi pantalla. Y eso me impulsó a querer contar esta historia”. Apenas una década atrás, la creación literaria de Yu habría sido ignorada en Hollywood.

Pero recientemente, exitosas producciones asiático-estadounidenses como “Locamente millonarios” y “Todo en todas partes al mismo tiempo”, sin contar la oscarizada “Parásitos” y el fenómeno “El juego del calamar”, probaron el apetito comercial para diversas narrativas. Jimmy O. Yang, actor estadounidense de origen hongkonés, que trabajó en “Locamente millonarios”, encarna a Wu en “Interior Chinatown”. Y el cineasta ganador del Óscar, Taika Waititi (“Jojo Rabbit”) dirige el episodio piloto.

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Wu es presentado como un mesero cualquiera de un restaurante en el Chinatown de Los Ángeles. Pero, rápidamente se le muestra como parte de una operación policíaca. En estas escenas, “Interior Chinatown” adopta los códigos visuales de un drama policial de televisión. Wu permanece relegado al personaje de fondo, mientras que el dúo de policías -uno blanco y uno negro- resuelve los crímenes.

Y lo que es aún más extraño, aparecen cámaras inexplicables filmando a Wu y sus colegas, lo que recuerda a “The Truman Show. Historia de una vida”. La distorsión de la realidad se hace eco de la premisa de la novela original, escrita a su vez en forma de guion televisivo. “Es una gran metáfora de lo que significa ser asiático-estadounidense en este país”, dijo Yang.

“Pero al mismo tiempo, es una historia universal, la de alguien que ansía ser más, alguien que se encuentra a sí mismo en su carrera”. Cuando Wu es testigo de un secuestro, los giros de la trama llevan a este actor de fondo a tomar roles cada vez más importantes en la intriga criminal. “Pasa a ser como una estrella invitada. Y luego el tipo de técnica, que claro, yo interpreté antes. La verdad es que tiene muchos paralelismos con mi propia carrera”, afirma Yang.

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La serie cuenta con diálogos en inglés, mandarín y cantonés. Entre sus personajes está Lana Lee, una policía novata asiática-estadounidense, a quién sus jefes le asignan un caso en Chinatown tras asumir de forma incorrecta que ella debe conocer el barrio chino. La ironía no pasó desapercibida para la actriz Chloe Bennet, nacida Chloe Wang de padre chino y madre blanca estadounidense, que en la vida real tuvo que cambiar su apellido para conseguir papeles en Hollywood.

“Mi trayectoria en la industria es tan intrínseca para Lana”, dijo refiriéndose a su personaje en una rueda de prensa. “Al principio de mi carrera literalmente me dijeron ‘no eres suficientemente blanca para ser la protagonista, pero no eres suficientemente asiática para ser la asiática’”. Fatty Choi, el mejor amigo de Willis interpretado por el comediante Ronny Chieng (“The Daily Show”), ofrece un divertidísimo contrapunto a las nociones preconcebidas del público sobre los asiáticos como “minoría modelo”.

Adicto a los videojuegos y a la marihuana, Choi regaña de forma agresiva a los clientes blancos del restaurante diciéndoles que “no son el centro del universo”. “Hacer algo con un comentario social, tan divertido, tan meta, tan alucinante y tan inteligente, pero sin martillar a la gente con el mensaje, es un sueño hecho realidad”, dijo.

Fuente: AFP.

Por David Sánchez, desde Cádiz (España), X: @tegustamuchoelc (*).

Durante el South International Series Festival de Cádiz, Eduardo Noriega compartió con el público los detalles de su próxima serie para Disney, “La increíble historia de Julia Pastrana”, una producción que promete explorar uno de los relatos más trágicos y desconocidos de la historia mexicana. Con estreno previsto para 2025, esta serie narra la vida de Julia Pastrana, una mujer indígena mexicana del siglo XIX, quien, debido a una condición de hipertricosis que cubría su cuerpo con vello, fue explotada y exhibida como atracción en circos de todo el mundo.

Noriega, quien interpreta a Teodoro Landa, un personaje inspirado en el hombre que realmente explotó a Pastrana, profundiza en la complejidad de esta relación abusiva. “Mi papel es el de Teodoro Landa, quien se encarga de explotar a esta mujer y, a lo largo de 20 años, mantiene con ella una relación de dependencia tóxica espantosa”, explicó el actor. En la serie, Teodoro es un personaje cruel y manipulador que utiliza la imagen de Julia como espectáculo, al tiempo que desarrollan una conexión distorsionada que culmina en un matrimonio sin amor, basado en intereses de control y explotación.

El personaje de Julia Pastrana, interpretado por Fátima Molina, es descrito por Noriega como “una historia maravillosa, muy dura y muy cruel”. Para él, la serie presenta una oportunidad de abordar temas de discriminación y humanidad, ya que Pastrana, a pesar de su enorme sufrimiento, se convierte en símbolo de resistencia ante una sociedad que la veía como una rareza sin alma. “Era una mujer que, en el siglo XIX, ni siquiera se consideraba que tuviera alma”, comentó Noriega, subrayando la brutalidad con la que era tratada.

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La serie, bajo la dirección de Rafael Lara, es un proyecto que, según Noriega, conecta profundamente con la audiencia latinoamericana, especialmente al explorar una historia de origen mexicano que se expande a nivel global. “Es una historia preciosa que va para Disney en 2025″, destacó, visiblemente emocionado por llevar esta narrativa a las pantallas de todo el mundo. La historia de Pastrana, poco conocida, no solo es un reflejo de las injusticias de su tiempo, sino también un recordatorio de cómo los prejuicios y la explotación han afectado a muchas comunidades a lo largo de la historia.

Para Eduardo Noriega, trabajar en una historia con raíces mexicanas y latinas es un privilegio y una responsabilidad. Aunque él es español, ha comentado en varias ocasiones su interés por colaborar en producciones latinoamericanas, pues ya ha trabajado en México, Argentina y Guatemala. “Yo estoy deseando trabajar en Latinoamérica… Y esta historia, en particular, me conmueve mucho por su conexión con la realidad de muchas personas que han sido marginadas”, expresó Noriega.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

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“Fuego y Cenizas” será el título del próximo “Avatar” y la nueva parte de la saga “Star Wars” se estrenará en 2026, siete años después del último episodio, reveló el grupo Disney durante un importante evento celebrado este fin de semana en California. James Cameron, director de “Avatar”, anunció personalmente el viernes el nombre (“Fire and Ash”, en inglés) de la nueva película de su franquicia de ciencia ficción, cuyo estreno no está previsto hasta diciembre de 2025.

“La nueva película no es lo que esperabas. Pero definitivamente es lo que quieres”, prometió el director canadiense. Los dos anteriores episodios de “Avatar” se encuentran entre las tres películas más taquilleras de todos los tiempos, con ingresos acumulados de 5.200 millones de dólares.

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Las imágenes de la nueva película, actualmente en producción en Nueva Zelanda, muestran a los icónicos personajes azules Na’vi, pueblos indígenas del planeta imaginario Pandora, bailando alrededor de una fogata, así como imágenes de barcos flotantes gigantes y bestias voladoras.

Cameron también prometió “nuevas culturas, nuevos escenarios, nuevas criaturas y nuevos biomas”. “Verás muchas más cosas de Pandora, el planeta, que nunca antes habías visto”, aseguró. La cuarta y quinta parte de “Avatar” están previstas para 2029 y 2031.

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Además, para los fans de las cintas de Disney se presentó un adelanto de la saga de “The Mandalorian and Grogu”, cuyo estreno está previsto para mayo de 2026. Algunas imágenes reveladas muestran a la famosa criatura verde de orejas largas y su amigo cazador de recompensas en un planeta nevado.

Esta será la primera secuela de “Star Wars” desde “El ascenso de Skywalker” en 2019. Disney, que hasta entonces producía una nueva “Star Wars” cada año, ha desacelerado drásticamente las producciones ante la caída de los ingresos en taquilla.

Fuente: AFP.

Tras ser filmada con poco presupuesto y prohibida en varios países, Ed Neal dudó que “The Texas Chainsaw Massacre” (La masacre de Texas) tuviera éxito. Pero su papel como “Hitchhiker”, hermano del sanguinario Leatherface, formó parte de un ícono del cine de terror del que aún se habla cincuenta años después.

La película independiente abrió el camino para lo que se conoce como el subgénero “slasher”: un psicópata con el rostro cubierto mata uno a uno a jóvenes temerarios o que la están pasando bien. Eso fue lo que hizo “Leatherface” (Cara de cuero, en español), de 1,95 m, con una sierra eléctrica y un martillo.

“Michael Myers (Halloween, 1978) tiene máscara, Jason (Viernes 13, 1980) tiene máscara. Pero Leatherface fue el primero. Creo que sentó un precedente sobre cómo serían las películas de terror”, dice el fanático Josh Hazard, de 40 años, vestido como Leatherface durante el Texas Frightmare Weekend en Irving, noroeste de Dallas, donde se conmemoró los 50 años de la película y varios de los actores se reencontraron.

Ed Neal, hoy de 79 años, interpretó a “Hitchhiker”, un hombre perturbado que pide un aventón en la camioneta de los futuros asesinados, y que parece avisar de la masacre que desataría su hermano enmascarado. Cuando Neal leyó el guion y las pocas líneas de su personaje, casi lo descarta. “Pensé que nadie la vería... y aquí estamos”, reflexiona. Se estrenó como si estuviese basada en hechos reales y algunos lo creyeron.

“Los japoneses vinieron y me dijeron: este es un documental sobre gente que vive en Texas. Creyeron que era un video verdadero. Me preguntaron cómo se hizo para meter una cámara allí y por qué no se comieron al camarógrafo. Yo les dije, bueno, tal vez sí se lo comieron”, cuenta Neal a la AFP.

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Convertida en una franquicia, una decena de películas se han hecho después de aquella de 1974, entre secuelas, precuelas y remakes. Tiene un cómic, videojuegos y muchos seguidores que no habían nacido cuando el filme se estrenó.

“La gente se cansa de secuela tras secuela, y vimos el crecimiento de los filmes de terror indie o A24, porque la gente quiere algo diferente. Pero hasta ahora no hay una película como The Texas Chainsaw Massacre”, considera Ronnie Hobbs, director creativo de Art Interactive, que lanzó un videojuego basado en el filme el año pasado. “Ni las secuelas pueden capturar la fiereza y lo desagradable de la película original”.

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Dirigida por Tobe Hooper (1943-2017), la historia ocurre en una casa perdida en la inmensidad de los campos de Texas, en donde Kirk, Pam, Jerry, Franklin y Sally caen en manos de Leatherface, cuya familia vende la carne humana como embutidos y barbacoa. Solo Sally (Marilyn Burns, 1949-2014) logra huir. “Pudo haber pasado. Esa es la parte que más miedo da. Se sintió tan real”, dice la texana Jeanette Nolen, de 47 años, vestida también con el delantal de carnicero de Leatherface.

Huesos de animales, plumas e incluso un esqueleto humano usados en la película fueron reales. “La necesidad es madre de la invención”, considera Chase Andersen, director de operaciones de Exurbia Films, que tiene los derechos de la franquicia.

Una película independiente y de bajo presupuesto no tenía el lujo ni la utilería de ahora, explica Chase. Recuerda que el actor Gunnar Hansen (1947-2015), Leatherface, tuvo que vestir el mismo disfraz durante toda la filmación, y al final de todo apestaba realmente.

Los actores vistieron las mismas ropas por semanas. El sudor en la película es real. “El calor y la humedad de Texas son casi personajes en sí mismos. Y algunos de los elementos rurales. Estos paisajes y el calor crean un ambiente único”, agrega Chase.

Teri McMinn, hoy de 72 años, fue Pam. La escena donde es seguida por detrás en contrapicado mientras camina hacia la casa en la que será colgada en un gancho para carne, es también emblemática. Pero no hay desmembramientos explícitos ni sangre a borbotones.

La película “está en el Museo de Arte Moderno, de NY y es porque la violencia es insinuada, todo allí es insinuado. La escena más obscena es la mía caminando hacia la casa con la cámara allí, ya saben dónde”, detalla Teri, quien más miedo le tuvo a que su madre o su tía la vieran así en la película.

“En aquellos años no hubo nada como eso. Fue prohibida en Francia por diez años, en Italia, en Suecia”, recuerda. “Fue un filme de pérdida (en términos fiscales) para los políticos de Texas o algo así. Fue muy loco, pero es maravilloso. Esta película disparatada me ha llevado por todo el mundo”, agrega Ed.

Fuente: AFP.