Por David Sánchez, desde Tesalónica (Grecia), X: @tegustamuchoelc (*).
“Edge of Night” (Gecenin Kıyısı), dirigida por el turco Türker Süer, presenta un viaje oscuro y desafiante entre dos hermanos, Sinan y Kenan, en medio de un ambiente político opresivo y polarizado en Turquía. En el Festival de Cine de Tesalónica, esta obra de Süer intenta abordar temas profundos como la lealtad, la identidad y el impacto del autoritarismo en las relaciones familiares. Sin embargo, aunque la trama promete una exploración emocional compleja, la ejecución se ve obstaculizada por una puesta en escena que busca crear profundidad mediante primeros planos repetitivos, enfocándose en detalles visuales que a menudo distraen de la narrativa principal.
El núcleo de la historia, que muestra a Sinan obligado a entregar a su hermano a la justicia militar, parece aludir a los dilemas morales que enfrentan muchos turcos en tiempos de represión política, especialmente tras el intento de golpe de estado de 2016. En esa época, el gobierno exigió lealtad absoluta de sus ciudadanos, y Süer refleja esta realidad en la tensa relación entre los hermanos. Sin embargo, la frialdad con la que Sinan trata a Kenan, y la falta de profundidad en los diálogos, limitan el impacto emocional de esta situación, haciendo difícil que el espectador se conecte con sus conflictos.
Süer emplea primeros planos de objetos y gestos –como un anillo, una mano, o el rostro de Sinan– en un intento de crear una atmósfera íntima, pero el exceso de estos detalles resulta contraproducente, restando dinamismo a la narrativa. Estos elementos podrían haber añadido profundidad psicológica, pero aquí se sienten innecesarios, como si la cámara estuviera tan enfocada en lo superficial que olvidara la esencia de la historia. Además, los diálogos, en su intento de ser tensos y solemnes, a menudo parecen forzados y carecen de la intensidad que el conflicto exige, como cuando Sinan recibe la orden de escoltar a su hermano sin una explicación que le dé peso dramático.
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El intento de golpe de estado fallido en Turquía en 2016 dejó una marca profunda en la sociedad turca, evidenciando una profunda polarización y una intensificación de las políticas autoritarias que exigían lealtad absoluta al Estado. En la ambientación se refleja un país atrapado en la incertidumbre, donde la desconfianza y la paranoia dominan.
Este trasfondo es crucial en la trama, pero la ejecución es confusa en ciertos momentos, como cuando los hermanos llegan a un campamento militar sin saber si están en territorio seguro. Este caos podría simbolizar el clima de paranoia en una sociedad dividida, pero en la película parece más un problema de claridad narrativa que un reflejo intencional de la inestabilidad nacional.
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Aunque la película intenta profundizar en la dualidad entre los hermanos y la lealtad hacia el Estado, el personaje de Kenan es presentado de manera errática e irracional, y la frialdad de Sinan lo convierte en una figura poco empática. La figura de su padre, un general importante, podría haber aportado otra capa de complejidad, pero apenas se menciona, y su influencia se siente distante. Incluso los personajes secundarios, como la esposa e hijo de Sinan, son poco desarrollados, pocos segundos de escena y unas llamadas de teléfono, lo que, una vez más, limita la capacidad del filme de ahondar en las dimensiones personales del protagonista.
Türker Süer plantea una reflexión interesante sobre los desafíos de la lealtad en un régimen autoritario, pero su enfoque visual y narrativo no logra capturar la complejidad emocional del conflicto. Aunque el contexto del golpe de estado y la crisis de identidad en Turquía son temas potentes, la ejecución de Süer no hace justicia a su profundidad. La tensión entre los hermanos, aunque prometedora, se queda en una línea monótona, y la falta de desarrollo en los personajes secundarios reduce el impacto emocional de esta historia.
* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.
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Sube a escena “Le Bal”, un homenaje al cine de Ettore Scola
La obra de teatro “Le Bal – El bar de todos los tiempos”, dirigida por Raquel Martínez, se estrena el viernes 22 de noviembre en el Galpón del Pasaje Molas, en Asunción. El elenco está formado por alumnos del tercer y último año de la escuela de actuación TIA (Taller Integral de Actuación), encabezada por los conocidos cineastas Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori, y marca el final del ciclo 2024 para este grupo de tres elencos diferentes que forman parte de la experiencia teatral.
Las funciones continuarán los días 23, 24, 29 y 30 de noviembre, y el 1 de diciembre, con dos horarios, a las 19:00 y 21:30; las entradas pueden adquirirse en www.instagram.com/tercerostia2024. La propuesta escénica es un homenaje a “Le Bal” (el baile), película musical e histórica italo-franco-argelina de 1983, dirigida por Ettore Scola, que narra diversas situaciones sociales desde una sala de baile, capturando momentos y emociones de diferentes épocas.
En esta versión paraguaya, el bar es el protagonista y la excusa perfecta para hacer surgir tantas historias como noches en sus ficticias paredes. Un bar atemporal, casi decadente, donde se mezclan la realidad y la ficción en su atmósfera turbia, separadas solo por la efímera condición de la noche. Actores y público se confunden en este espacio. Una barra de madera, confesionario nocturno de almas que llegan para exaltar sus grandezas o penurias. A veces, el teatro dentro del teatro; otras, la realidad dentro de la realidad.
“Un homenaje al director italiano Ettore Scola. Esta obra cinematográfica, impregnada de una esencia teatral única, me ha inspirado a recrearla y adaptarla a una propuesta escénica. Además, guardo esta joya del cine como un recuerdo inspirador en mi álbum de memorias como actriz”, comentó su directora Raquel Martínez, que amplió sobre el proceso que implicó esta creación teatral a través de una entrevista compartida por la producción del equipo de estudiantes.
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Génesis de “Le Bal”
“Cada obra nueva surge como un capítulo en una continuidad creativa. Le Bal nace de mis recuerdos e inspiraciones como actriz, especialmente de mi participación en Asunción años 30 del maestro Wal Mayans, donde fui parte del montaje. Desde que ingresé al TIA (Taller Integral de Actuación), he trabajado con equipos grandes de hasta 40 actores en escena, como en Ser o no ser de Hamlet Machine, Anatomía y ahora en Le Bal. Disfruto las puestas complejas, que desafían tanto a los actores como al público. Esta obra no sería posible sin la libertad y el apoyo del TIA, que permite a los jóvenes cerrar el año con experiencias enriquecedoras. Le Bal es un homenaje a Ettore Scola y a su película italo-franco-argelina de 1983, que captura momentos sociales y emocionales de distintas épocas en una sala de baile. En nuestra versión, el bar se convierte en el protagonista, un espacio donde surgen tantas historias como noches, y donde hasta la poesía encuentra su lugar”.
Referencias creativas para la puesta
“Para cada montaje, encuentro inspiración en cualquier situación, muchas veces en mi entorno inmediato. Puede ser el detalle de un viaje en autobús que luego se convierte en una escena. A lo largo de los años, he construido un repertorio de referencias, desde Pizarnik, cuyas palabras siempre me dan pistas para mis obras, hasta la pintura de Rembrandt, que fue la base de Anatomía. La música también es fundamental; en ocasiones, escucho un estilo durante meses hasta que resuena con el ambiente que busco para una obra. Tarkovsky, con su lenguaje poético visual, es otro de mis faros creativos, junto con directores como Fellini, Kusturica, Giuseppe Tornatore y Lina Wertmüller. Aspiro a que cada obra tenga un encanto cinematográfico, un detalle que cautive al espectador”.
Crear un universo propio
“El guion es el primer gran reto de cada obra. Le Bal, en particular, me ofrece un mundo lleno de historias, donde hasta el silencio cuenta algo. A medida que se acerca el cierre, nuevas ideas surgen para enriquecer esta narrativa. Coordinamos tres elencos rotativos, casi 40 personas, y aunque en 2022 pude llevar adelante una puesta descomunal en un edificio de tres pisos, ahora cuento con Carol Castillo, actriz y amiga, quien se ha convertido en mi apoyo en estas puestas multitudinarias. No existen primeros actores en mis obras; cada intérprete lleva un diario de su proceso, construyendo su propio “mapa de vida” y transformándose en un ‘actor creador’. Este proceso es casi científico: un registro de experiencias, ejercicios y rastros del actor en formación”.
Proceso pedagógico y el mapa del actor
“El entrenamiento actoral es la base de mi trabajo con los alumnos, y lo he adaptado con el tiempo a una metodología propia. A menudo se piensa que mi entrenamiento es intenso, pero no se trata de ejercicio por ejercicio, sino de integrar energía y presencia para narrar algo desde el interior. La disciplina actoral requiere una justificación en cada acción y esculpir un boceto de personaje que sea fiel al ‘mapa del actor’. Aunque me formé en teatro antropológico, he estilizado mi enfoque hacia un teatro más puro. Prefiero distanciarme de etiquetas como ‘teatro físico’ o ‘danza teatro’ que a veces carecen de rigor. Esta filosofía se la comparto a los jóvenes, para quienes un aprendizaje multidisciplinario es clave. Para mí, el cuerpo es central, una fuente que acompaña al actor en su recorrido semiótico”.
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¿Qué encontrará el público en Le Bal?
“Es difícil anticipar qué será Le Bal, así como lo fue con mis otras obras. El público es la última pieza de la obra, y su reacción es lo que define la experiencia. En teatro, a diferencia del cine, hay un vínculo directo con el espectador, un diálogo emocional. Así que solo puedo invitar al público a venir. Tendremos ‘historias a la carta’, permitiendo que los asistentes escojan y hagan sus pedidos, en una experiencia interactiva que invita a cuestionar quién observa a quién. Le Bal es un espacio fuera del tiempo, donde el espectador y el actor se funden, y donde todos pueden explorar sus propios roles”.
Expectativas y asombro
“No soy partidaria de las expectativas; prefiero que el público venga sin preconceptos, dejando espacio al asombro. Las expectativas suelen neutralizar la experiencia, algo que he aprendido desde mi época de actriz. No quiero cargar con esa responsabilidad; prefiero que cada persona se permita descubrir la obra sin ideas previas”.
Reflexiones sobre la escena actoral en Paraguay
“Es frecuente la pregunta sobre el nivel actoral nacional, pero para mí, la verdadera cuestión es qué tipo de actores proyectamos en nuestro entorno. Veo una nueva generación interesada en el teatro, pero muchas veces sin entender lo que implica. Hay jóvenes que perciben el teatro como un simple pasatiempo o como una pasarela. Sin embargo, nuestra fortaleza está en los grupos alternativos y en actores de la vieja guardia que sostienen nuestra historia contemporánea. La debilidad radica en la falta de memoria histórica; los jóvenes rara vez conocen o valoran a quienes han construido el camino que hoy recorremos. Es fundamental recordar y honrar estas referencias, en lugar de reinventarlas sin contexto”.
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Netflix estrena la odisea de “Los niños perdidos” por sobrevivir a la Amazonía
La odisea de cuatro menores indígenas que sobrevivieron tras deambular por 40 días en la Amazonía colombiana en 2023 llega a Netflix con “Los niños perdidos”, documental presentado este martes en Bogotá y que revela los pormenores de un rescate que sorprendió al mundo.
Coproducido con la cadena colombiana Caracol, el filme que se estrenará en la plataforma el jueves fue realizado a partir archivos de video y entrevistas a militares, indígenas y allegados a los hermanos desamparados en la selva tras un accidente de avioneta, según contaron sus directores en un evento para la prensa.
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El documental sobre la intensa búsqueda de Lesly, entonces de 13 años, Soleiny (9), Tien Noriel (5) y Cristin (1) Mucutuy también narra la inédita unión entre soldados y aborígenes, explicó el cineasta británico Orlando von Einsiedel, galardonado con el premio Óscar en 2017.
“La historia que se desprendió de esta búsqueda y rescate, de dos grupos históricamente divididos uniéndose es un elemento increíblemente inspirador”, aseguró. Los cuatro hermanos desaparecieron en la espesa selva el 1 de mayo de 2023. Su madre, el piloto de la avioneta y un tercer acompañante murieron por el desplome del aparato en el departamento de Caquetá (sur).
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En la búsqueda trabajaron en conjunto voluntarios indígenas que conocían el terreno y miembros de las Fuerzas Armadas. Lo que comenzó como una relación de desconfianza en medio de un territorio dominado por grupos armados ilegales, terminó en una épica proeza en la que tácticas militares conectaron con el conocimiento ancestral de los nativos. La cinta se narra en ausencia de sus protagonistas, que permanecen alejados de las cámaras bajo el cuidado de la entidad estatal de protección de menores.
Con una secuencia animada, los realizadores recrearon el testimonio que dio a las autoridades tras el rescate la hermana mayor, Lesly, la heroína que aseguró la supervivencia de sus hermanos con frutos silvestres y pescado crudo. “Era una forma más poética, más sensible, más ética” de retratar su experiencia, señaló el cineasta peruano-británico Lali Houghton.
Fuente: AFP.
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Jason Reitman visitará el Festival de Mar del Plata
El cineasta norteamericano Jason Reitman, nominado en cuatro ocasiones al Óscar por películas como “Juno” y “Amor sin escalas”, estará presente en la ceremonia de apertura del 39.º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (Argentina), que tendrá lugar el 21 de noviembre y luego presentará su nuevo filme, “Saturday Night”, que participa en la Competencia Internacional.
El director, guionista y productor canadiense, que estuvo al frente de “Ghostbusters: el legado” (2021), fue confirmado ayer lunes en una conferencia de prensa en el cine Gaumont de Buenos Aires, donde se confirmó la programación completa del festival, en que la aparece la película paraguaya de terror “No entres” de Hugo Cardozo seleccionada para la sección Hora Cero.
En su nueva película, Reitman recrea la primera emisión del emblemático programa estadounidense “Saturday Night Live”, del 11 de octubre de 1975, cuando un grupo de jóvenes cómicos cambió la historia de la televisión. Será uno de los 12 títulos que competirán por el premio principal, el Astor de Oro, junto con “Aïcha” de Mehdi M. Barsaoui (Túnez), “Au bord du monde” de Guérin van de Vorst y Sophie Muselle (Bélgica) y “Cabaret Total” de Roy Assaf (Israel).
La lista de la Competencia Internacional se completa con: “Cónclave” de Edward Berger (Reino Unido), “El casero” de Matías Lucchesi (Argentina), “La quinta” de Silvina Schnicer (Argentina), “Rita” de Paz Vega (España), “The Most Precious of Cargoes” de Michel Hazanavicius (Francia), “There Was, There Was Not” de Emily Mkrtichian (Armenia), “Un dolor real” de Jesse Eisenberg (Estados Unidos), y “Una historia de amor y guerra” de Santiago Mohar Volkow (México).
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Más visitantes especiales
La ganadora del Goya por “Lucía y el sexo”, la actriz española Paz Vega también acudirá a la gala de apertura, y luego presentará su primera película como directora, “Rita”, que también protagoniza, y que representa a España en la Competencia Internacional. Del mismo país llegará también Adriana Ugarte, coprotagonista de “Julieta” de Pedro Almodóvar, quien encabeza el elenco de “El silencio” de Marcos Tremmer junto a Benjamín Vicuña, película que participa en la Competencia Latinoamericana.
Asimismo, estará presente Emma Suárez, quien compartió cartel y nominación en los Premios Europeos por ese film de Almodóvar, y quien ha ganado el Goya en tres ocasiones. Suárez encabeza el elenco de “Desmontando un elefante”, en la que comparte cartel con Darío Grandinetti.
Japón estará presente con la visita de la directora Miwa Nishikawa, quien además de presentar una retrospectiva de sus películas ofrecerá dos conferencias sobre el cine en su país. Vendrá también la directora Fernanda Valadez para presentar “Sujo”, la propuesta mexicana para el Óscar a la Mejor película en idioma extranjero y la directora israelí Sophie Artus, quien presentará en Panorama su película “Halisa”.
Premio a la trayectoria
En esta edición se entregarán tres trofeos del Astor de Plata a la Trayectoria a destacadas figuras argentinas: al cineasta Héctor Olivera, a la actriz Ana María Picchio y Pablo Helman, técnico de efectos visuales de “Wicked”. El primero será homenajeado por los 50 años del estreno de “La Patagonia rebelde” (1974), con una exhibición de copia restaurada. Olivera asistió a la primera edición del Festival de Mar del Plata en 1954. También se programó “El jefe” (1958) de Fernando Ayala, en que trabajó como productor, y forma parte de largometrajes seleccionados para celebrar las siete décadas del festival. El cineasta de 93 años recibirá la distinción de manos del presidente de la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPF), Luis Alberto Scalella, en la gala de clausura.
El homenaje a los 50 años de “La tregua” (1974) de Sergio Renán, la primera película argentina en ser nominada al Óscar, incluirá la entrega del Astor de Plata a la trayectoria cinematográfica a su coprotagonista, Ana María Picchio, quien enamoró al país con su Laura Avellaneda, la joven oficinista que le da nuevo sentido a la vida rutinaria del cincuentón Martín Santomé (Héctor Alterio). Recibirá el galardón el lunes 25 de manos de su compañero de reparto en esa película, Luis Brandoni.
Durante su visita al Festival de Mar del Plata, Helman presentará una proyección especial de “Wicked”, cuya segunda parte llegará a los cines en 2025. Al día siguiente se realizará una clase magistal abierta al público. La entrega del Astor de Plata se realizará en la ceremonia de clausura, y recibirá el premio de manos de un viejo amigo, el legendario Litto Nebbia.
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Japón, primer país invitado
Por primera vez en su historia, el festival tendrá un país invitado: Japón. Nishikawa presentará en persona una retrospectiva en la que se proyectarán la multipremiada “Dear Doctor” (2009) y su más reciente trabajo, “Under the Open Sky” (2020). También habrá una retrospectiva del legendario realizador Sadao Yamanaka, en la que podrán verse “Nezumikozo Jirochi” (1933), “Sazen Tange and the Pot Worth a Million Ryo” (1935), “Priest of Darkness” (1936) y “Humanidad y globos de papel” (1937).
La programación de cine japonés también incluye a la candidata de ese país al Óscar a la Mejor película extranjera, “Cloud” de Kiyoshi Kurosawa, “All the Long Nights” de Sho Miyake y “Ghost Killer” de Kensuke Sonomura, que participa de la sección Hora Cero. Asimismo, habrá un ciclo dedicado al director armenio Sergei Parajanov en el que se proyectarán tres películas suyas, “Sombras del pasado”, que ganó dos premios en el Festival de Mar del Plata de 1965, “El color de la granada” (1969) y “La leyenda de la fortaleza de Suram” (1985). Asimismo, se podrá ver un documental sobre su obra, “I Will Revenge this World with Love - S. Parajanov”, que tendrá su premiere latinoamericana en la ciudad balnearia.
Retrospectivas de cine argentino
El cine argentino también tendrá su cuota de homenajes y retrospectivas, incluyendo un ciclo que recupera 9 títulos que se proyectaron a lo largo de la historia del festival. Tres películas estrenadas en 1974 volverán a proyectarse, comenzando por “La tregua” de Sergio Renán, será presentada por su protagonista, Ana María Picchio, Asimismo se estrenará una copia restaurada de la icónica “La Patagonia rebelde” de Héctor Olivera, con la presencia del director y podrá verse nuevamente “Boquitas pintadas” de Leopoldo Torre Nilsson, de cuyo nacimiento se celebran 100 años. El legendario director contará con un ciclo de homenajes en el que también se proyectará “Martín Fierro”, “El santo de la espada” y la película de su hijo, Pablo Torre, el documental “Mi padre y yo”.
En la retrospectiva que celebra los 70 años del festival se volverán a proyectar títulos que pasaron por Mar del Plata y luego tuvieron una importante trayectoria nacional e internacional se verán “El jefe” (1958) de Fernando Ayala, “Los venerables todos” (1963), en lo que además será un homenaje al recientemente fallecido Manuel Antin, que contará con la presencia de una de las protagonistas de la película, Fernanda Mistral, así como de la hija del realizador, María Marta Antin. “Buenos Aires viceversa” (1996) de Alejandro Agresti, “Pizza, birra, faso” (1997) de Israel Adrián Caetano y Bruno Stagnaro y “Cuando acecha la maldad” (2023) de Demián Rugna.
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Festival de Mar del Plata y Contracampo develan grillas
El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata presenta su programación completa este lunes 11 de noviembre, a las 17:30, en el cine Gaumont de Buenos Aires (Argentina). La 39.ª edición, con que celebra sus 70 años desde su fundación en 1954, se realizará del 21 de noviembre al 1 de diciembre; mientras que un grupo autoconvocado plantea el contrafestival Contracampo, del 22 al 26 de noviembre.
El único festival latinoamericano con categoría “A”, entre los 15 reconocidos por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPF) presentará las películas que participarán de las cinco competencias, así como los integrantes de los jurados oficiales. La comunicación del evento ya adelantó 77 títulos que se exhibirán en diversas secciones paralelas, en tres sedes: la sala Piazzolla del teatro Auditorium, el Teatro Colón y el complejo de cines Paseo Aldrey.
Fundado en 1954 bajo la presidencia de Juan Domingo Perón como Primera Muestra Cinematográfica, en su primera edición contó con 52 largometrajes y 49 cortos que representaban a 18 países. A partir de 1959 fue organizado por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina, que lo convirtió en competitivo.
La última edición de esta primera etapa fue en 1970. En 1996 regresó luego de 26 años de ausencia. Tradicionalmente organizado por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, la edición número 39 será una realización conjunta entre el INCAA y la Municipalidad de General Pueyrredón, a través de un convenio por los próximos tres años.
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Ausencia de gremios
El 7 de octubre pasado, la Federación de Asociaciones de Profesionales de la Industria Audiovisual Argentina (ASA, ADF, AADA, EDA, SAE) comunicó que decidieron no participar del festival con la entrega de los premios no oficiales. “Esta decisión responde, en principio, a la falta de garantías necesarias para que los jurados de nuestras asociaciones puedan desempeñar su labor de manera respetuosa con las películas participantes, con nuestras instituciones y con el festival en sí”, dice parte de la nota.
Igual decisión tomó el Espacio Audiovisual Argentino (Apima, Argentores, Cadicine, Caic, Cappa, DAC, PCI, RDi), con otro comunicado compartido el 10 de octubre. Mientras que el 30 de octubre se oficializó por Instagram el encuentro de cine Contracampo, como “una acción en defensa del cine argentino organizada por un grupo autoconvocado de directores, productores, críticos y trabajadores del cine”.
“Contracampo es una acción política que nace porque la libertad de expresión, la radicalidad estética y el federalismo cinematográfico están bajo amenaza. Es una muestra de películas que construye un panorama heterogéneo del cine nacional que las políticas públicas deberían promover”, agrega la presentación, que se alinea con el reclamo a los recortes en el INCAA.
Las proyecciones serán en la sala Enrique Carreras (Entre Ríos 1824) de la ciudad de Mar del Plata, el mismo espacio donde, entre 1996 y 1998, se llevó a cabo la sección del mismo nombre, creada por el fallecido cineasta Nicolás Sarquís, en el marco del festival, que fuera muy destacada por su riesgo artístico y que contribuyó a difundir el desconocido cine iraní en Argentina. Desde el 7 de noviembre empezaron a anunciar sus primeros títulos.
Contracampo
- “Ecos de Xinjiang” de Pablo Martín Weber.
- “Algo nuevo, algo viejo, algo prestado” de Hernán Rosselli.
- “Senda india” de Daniela Seggiaro.
- “Popular tradición de esta Tierra” de Mariano Llinás.
- “Una temporada en la frontera” de Ile Dell Unti.
- “Los incrédulos” de Máximo Ciambella y Damián Coluccio.
- “El repartidor está en camino” de Martín Rejtman.
- “Después, la niebla” de Martín Sappia.
- “Las formas de la invención” de Maia Navas.
- “Solo qu3r3mos un poco de amor” de Raúl Perrone.
- “Corazón embalsamado” de Julieta Seco.
- “Hom0fobia!” de Goyo Anchou.
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39.ª FESTIVAL DE MAR DEL PLATA
Competencias oficiales
- Competencia Internacional.
- Competencia Latinoamericana de Largometrajes y Cortometrajes.
- Competencia Argentina de Largometrajes y Cortometrajes.
- Competencia Estados Alterados.
- Work in Progress.
Astor de Plata a la Trayectoria
- Héctor Olivera.
- Ana María Picchio.
- Pablo Helman.
Panorama argentino
- “Reflejado” de Juan Baldana.
- “Por tu bien” de Axel Monsú.
- “Hasta que la muerte nos separe” de Lucas Ríos.
- “Entre reinas” de Male Fainsod y Tomás Morelli.
- “La imagen santa” de Pablo Montilau.
- “Desentierros” de María Julia Blanco.
- “Mauricio Wainrot: entre bambalinas” de María Teresa Constantini.
BSO
- “Lalo” de Alejandro Clancy.
- “El agujerito” de Ana Hayzus y Leandro Elljal.
España en Movimiento
- “Volveréis” de Jonás Trueba.
- “Desmontando un elefante” de Aitor Echeverría.
- “Tratamos demasiado bien a las mujeres” de Clara Bilbao.
- “La casa” de Álex Montoya.
- “Lo carga el diablo” de Guillermo Polo.
- “Los Tortuga” de Belén Fuentes.
- “¿Quién quiere casarse con un astronauta?” de David Matamoros.
- “Valenciana” de Jordi Núñez.
- “Mariposas negras” de David Baute.
- “La fugida” de Josep Morell, Guillem Sánchez y Marc M. Sarrado.
Mar de Chicos y Chicas
- “Flow” (Letonia) de Gints Zilbalodis.
- “That Christmas” (Reino Unido) de Simon Otto.
Hora Cero
- “No entres” (Paraguay) de Hugo Cardozo.
- “Ghost Killer” (Japón) de Kensuke Sonomura.
- “The Tenants (Seibja)” (Corea del Sur) de Eun-Kyung Yoon.
- “Canina (Nightbitch)” (Estados Unidos) de Marielle Heller.
- “Chain Reactions” (Estados Unidos) de Alexandre O. Philippe.
Otros títulos
- Gala de apertura: “Emilia Pérez” (Francia) de Jacques Audiard.
- Gala de clausura: “Puntos suspensivos” (España) de David Marqués.
- “Wicked” (Estados Unidos) de Jon M. Chu.
- “Megalópolis” (Estados Unidos) de Francis Ford Coppola.
- “Sing Sing” (Estados Unidos) de Greg Kwedar.
- “Between the Temples” (Estados Unidos) de Nathan Silver.
- “Unstoppable” (Estados Unidos) de William Goldenberg.
- “A Different Man” (Estados Unidos) de Aaron Schimberg.
- “Sujo” (México) de Fernanda Valadez y Astrid Rondero.
- “The Seed of the Sacred Fig” (Alemania) de Mohammad Rasoulof.
- “Cloud” (Japón) de Kiyoshi Kurosawa.
- “Vermiglio” (Italia) de Maura Delpero.
- “Le deuxieme acte” (Francia) de Quentin Dupieux.
- “Grand Tour” (Portugal) de Miguel Gomes.
- “All We Imagine As Light” (India) de Payal Kapadia
- “Dear Jassi” (India) de Tarsem Singh.
- “By the Stream” (Corea del Sur) de Hong Sang-soo.
- “Inexplicabel” (Brasil) de Fabricio Bittar.
- “Ainda Não é Amanhã” (Brasil) de Milena Times.
- “Un ours dans le Jura” (Francia) de Franck Dubosc.
- “Le syndrome de l’été sans fin” (República Checa) de Kaveh Daneshmand.
- “Toxic” (Lituania) de Saulė Bliuvaitė.
- “The Outrun” (Reino Unido) de Nora Fingscheidt.
- “The Return” (Estados Unidos) de Uberto Pasolini.
- “All the Long Nights” (Japón) de Shô Miyake.
- “Logout” (India) de Amit Golani.
- “To Kill A Mongolian Horse” (Malasia) de Xiaoxuan Jiang.
- “We are Inside” (Líbano) de Farah Kassem.
- “Halisa” (Israel) de Sophie Artus.
- “Hemda (Bliss)” (Israel) de Shemi Zarhin.
- “Of Dogs and Men” (Israel) de Dani Rosenberg.
- “My Eyes” (Australia) de Angela How y Pauline Chan.
Retrospectivas
- “La Patagonia rebelde” (1974, Argentina) de Héctor Olivera.
- “El jefe” (1958, Argentina) de Fernando Ayala.
- “La tregua” (1974, Argentina) de Sergio Renán.
- “Boquitas pintadas” (1974, Argentina) de Leopoldo Torre Nilsson.
- “Mi padre y yo” (2024, Argentina) de Pablo Torre.
- “Los venerables todos” (1962, Argentina) de Manuel Antin.
- “Buenos Aires Viceversa” (1996, Argentina) de Alejandro Agresti.
- “Pizza, birra, faso” (1997, Argentina) de Bruno Stagnaro e Israel Adrián Caetano.
- “El abrazo partido” (2004, Argentina) de Daniel Burman.
- “Dear Doctor” (2009, Japón) de Miwa Nishikawa.
- “Under the Open Sky” (2020, Japón) de Miwa Nishikawa.
- “Nezumikozô Jirokichi” (1932, Japón) de Sadao Yamanaka.
- “Sazen Tange and the Pot Worth a Million Ryo” (1935, Japón) de Sadao Yamanaka.
- “Priest of Darkness” (1936, Japón) de Sadao Yamanaka.
- “Humanidad y globos de papel” (1937, Japón) de Sadao Yamanaka.
- “La sombra de nuestros antepasados” (1965, URSS) de Sergei Parajanov.
- “Sayat Nova (El color de la granada)” (1969, URSS) de Sergei Parajanov.
- “La leyenda de la fortaleza de Suram” (1985, URSS) de Sergei Parajanov.
- “I will revenge this world with Love - S. Paradjanov” (2024, Armenia) de Zara Jian.