Por David Sánchez, desde Biarritz (Francia), X: @tegustamuchoelc (*).

“Zafari” dirigida por Mariana Rondón y presentada en el Festival de Cine Latinoamericano de Biarritz, es una obra que invita a la reflexión sobre las complejidades de la supervivencia en tiempos de crisis. Ambientada en un pequeño zoológico, la película mezcla la alegoría animal con una narrativa social profundamente vinculada a la crisis venezolana, utilizando el simbolismo de Zafari, el hipopótamo, como un recordatorio del orden natural en un mundo donde la sociedad humana se desmorona.

La trama sigue a Ana, Edgar y su hijo Bruno, una familia de clase alta en decadencia, atrapada en un país donde la escasez de alimentos, agua y electricidad convierte la cotidianidad en una lucha por la supervivencia. Desde el ventanal de su departamento, Ana observa el festejo de sus vecinos por la llegada de Zafari, mientras ella intenta recolectar comida en los apartamentos abandonados. Lo que al principio parece ser un drama familiar, se transforma en una inquietante exploración de la fragilidad emocional cuando un día unos ruidos extraños en los pasillos comienzan a aterrorizarla y ver que era para su sorpresa era una Zebra, parte importante dentro de la película.

Rondón, reconocida por sus trabajos anteriores, logra encapsular con gran maestría la sensación de asfixia y desesperanza que reina en el ambiente. La película no solo destaca por su contenido social y político, sino también por la forma en que traza el paralelismo entre los humanos y los animales del zoológico. Zafari, que aún tiene comida en un mundo donde todos los demás sufren la miseria, se convierte en un símbolo de las desigualdades que prevalecen, incluso cuando todos parecen estar al borde de la ruina.

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Uno de los puntos más potentes de la película es la representación de los contrastes sociales. Mientras la familia de Ana se ve envuelta en el caos, perdiendo la cohesión que alguna vez tuvo, una familia humilde que cuida el zoológico parece mantener, a pesar de todo, una cierta alegría de vivir. Esta disparidad entre las dos familias resalta las tensiones subyacentes en la película, especialmente cuando las acciones de Ana, motivadas por el hambre y la desesperación, la llevan a cruzar líneas éticas, culminando en una escena impactante en la que mutilan a una cebra para sobrevivir.

La decadencia emocional y física de los personajes principales es palpable a lo largo del filme. El deterioro de la relación entre Ana y Edgar es retratado de manera cruda, mientras que la desconexión con su hijo Bruno refleja la desintegración de la familia como unidad. En este sentido, “Zafari” ofrece una visión devastadora de cómo la crisis económica y social puede erosionar no solo los recursos materiales, sino también los lazos más íntimos y afectivos.

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El clímax de la película es brutal e inesperado, aunque completamente coherente con la lógica narrativa que se ha ido construyendo. Sin desvelar demasiados detalles, la secuencia final, en la que el marido de Ana aparece con la boca ensangrentada, encapsula de manera visceral el tema central del filme: en tiempos de extrema necesidad, el instinto de supervivencia puede llevarnos a actuar de las formas más salvajes e inimaginables.

“Zafari” es un filme que no se siente cómodo, pero precisamente en esa incomodidad reside su poder. La película es un testimonio feroz de la lucha humana por la supervivencia, no solo en un plano físico, sino también emocional. A través de su narrativa desgarradora y sus potentes imágenes, Rondón nos confronta con las preguntas más difíciles sobre la moralidad, la unidad familiar y lo que realmente significa ser humano en un mundo que ha perdido el control.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

El corto paraguayo “La entrevista final”, protagonizado por Milagros Rolón, ha sido seleccionado para participar del Festival Internacional de Cine de la Universidad de Buenos Aires (UBA). La película se proyectará en el Centro Cultural San Martín, Sala Borges (Sarmiento 1551, CABA) los próximos 17, 19 y 21 de octubre.

“La entrevista final” aborda un tema profundamente sensible y actual: la trata de personas, a través de una narrativa impactante, buscando generar conciencia y reflexión sobre esta problemática, tocando fibras emocionales en su audiencia. El audiovisual se estrenó el pasado 12 de junio en Asunción, y luego tuvo su lanzamiento internacional en un festival de Colombia.

Dirigido por Fasalien, quien además estuvo a cargo de la dirección de fotografía, la dirección de arte y el guión, este cortometraje fue íntegramente grabado con un teléfono celular. La producción estuvo en manos de Milagros Rolón, quien también participa como actriz protagonista.

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El corto es apoyado por el Instituto Nacional del Audiovisual paraguayo, quien brinda pasajes a los representantes de las películas seleccionadas para asistir al evento en el país vecino. Actualmente, el proyecto continúa su desarrollo, con el equipo trabajando en la escritura del guión para un largometraje que dará mayor profundidad a esta historia necesaria de contar según sus realizadores.

El Festival Internacional de Cine de La Universidad de Buenos Aires (UBA) realizará su segunda edición a partir del 16 de octubre. Este año, buscará poner en valor los clásicos que formaron la identidad cinematográfica contemporánea, entendiendo que su estudio y comprensión son parte fundamental de esa construcción.

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Por David Sánchez, desde Biarritz (Francia), X: @tegustamuchoelc (*).

En la 33.ª edición del Festival de cine Latinoamericano de Biarritz, Alfonso Cuarón fue homenajeado con el prestigioso Abrazo de Honor, el máximo reconocimiento que otorga el festival. Durante la ceremonia, Jean-Christophe Berjon, director del festival, resaltó la profunda huella que Cuarón ha dejado en el cine contemporáneo y su valiosa contribución a la difusión del cine latinoamericano en el escenario global. La alcaldesa de Biarritz, Maïder Arosteguy, fue la encargada de entregar el galardón al director mexicano, destacando el papel del festival como plataforma para dar visibilidad al cine de la región.

Para Cuarón, este homenaje tuvo un significado especial. Recordó con emoción que el Festival de Biarritz fue fundamental en sus inicios, particularmente con “Y tu mamá también” (2001), la película que lo catapultó al circuito internacional. “Este festival fue el primero en abrirme las puertas en Europa, y siempre guardaré ese momento en mi corazón”, comentó Cuarón, reconociendo el apoyo del festival en los primeros pasos de su carrera.

Durante una conversación íntima con Berjon, Cuarón reflexionó sobre su trayectoria, desde su primera visita al festival en 1991 con su ópera prima Sólo con tu pareja. En aquel entonces, enfrentaba muchas dudas sobre su futuro en la industria cinematográfica, pero Biarritz le brindó la confianza para seguir adelante. “Este festival me dio la fuerza para continuar en un medio tan competitivo”, explicó, subrayando la relación especial que ha mantenido con el evento a lo largo de los años.

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En la charla, Cuarón también habló sobre los desafíos técnicos y creativos que ha enfrentado a lo largo de su carrera. Aunque es conocido por su impresionante manejo de la tecnología en películas como “Gravity” (2013) y “Children of Men” (2006), el cineasta confesó: “Soy muy malo tecnológicamente... apenas sé mandar correos electrónicos”. A pesar de estas limitaciones en su vida cotidiana, ha demostrado un dominio técnico impresionante en sus películas, siempre manteniendo que “la técnica está al servicio del lenguaje cinematográfico”. Para Cuarón, lo importante es cómo las herramientas tecnológicas pueden mejorar la narrativa, sin perder de vista el enfoque humano de las historias que cuenta.

Uno de los momentos más destacados de la ceremonia fue cuando Cuarón habló sobre “Roma” (2018), una de sus películas más personales, basada en los recuerdos de su infancia en México. El director explicó que el guion fue escrito de manera automática, sin detenerse a corregir, lo que le permitió capturar la esencia de esos recuerdos con espontaneidad. Además, compartió detalles sobre su método de trabajo con los actores, a quienes no les dio acceso al guion completo, brindándoles indicaciones día a día para generar interacciones más auténticas y naturales. Esta técnica, según él, permitió obtener reacciones más genuinas y darle a la película una profunda humanidad.

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Cuarón también reflexionó sobre su rechazo a la zona de confort. “Si me doy cuenta de que estoy cayendo en una zona de confort, pierdo interés”, confesó, revelando que cada proyecto representa para él un desafío nuevo y una oportunidad de explorar diferentes géneros y estilos. Desde la intimidad de Y tu mamá también hasta los avances técnicos de “Gravity”, el cineasta ha mantenido una constante búsqueda por reinventarse y sorprender al público.

El homenaje a Cuarón no solo celebró su extraordinaria carrera, sino también su papel como uno de los mayores embajadores del cine latinoamericano. “Latinoamérica está en mi ADN”, afirmó Cuarón, destacando que, aunque ha trabajado en producciones internacionales, siempre ha mantenido una conexión profunda con sus raíces. Este lazo con su cultura se refleja en películas como “Roma” y “Y tu mamá también”, donde explora temas universales desde una perspectiva latinoamericana.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

Por David Sánchez, desde Biarritz (Francia), X: @tegustamuchoelc (*).

En “Querido trópico”, presentada en competición dentro del festival de cine Latinoamericano de Biarritz (Francia), la directora panameña Ana Endara, con una carrera previa en documentales, incursiona por primera vez en el cine de ficción con una propuesta delicada, atmosférica y profundamente humana.

Ambientada en Ciudad de Panamá, la película nos introduce en el universo íntimo de Mercedes (interpretada magistralmente por Paulina García), una empresaria rica que empieza a experimentar los estragos del Alzheimer. A su lado, Ana María (una inmigrante colombiana y su cuidadora), establece un vínculo emocional que trasciende el rol de servicio, generando una complicidad inesperada que se convierte en el corazón del filme.

El eje narrativo de “Querido trópico” está marcado por la sublime actuación de Paulina García, quien es capaz de sumergirnos en la vulnerabilidad de su personaje en cuestión de segundos. Como lo hizo Anthony Hopkins en “El padre” o la conmovedora “La memoria infinita”, García transforma la pantalla en un espejo de las sombras del Alzheimer, llevándonos junto a Mercedes en su viaje hacia la pérdida de identidad.

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Hay una sutileza en su interpretación que conmueve; no es tanto el deterioro evidente lo que impacta, sino los pequeños momentos de desconexión que nos recuerdan la fragilidad de la memoria, un ejemplo es la escena de los pasteles que come sin parar o metiéndose en el armario y cerrándolo con ella dentro. Su actuación logra desconectarnos de la realidad, invitándonos a vivir desde la confusión y la ternura de alguien que comienza a perderse en su propio mundo.

El conflicto emocional de la película no solo se centra en la enfermedad de Mercedes, sino en la dinámica entre los personajes femeninos. La relación entre Mercedes y Ana María evoluciona en un terreno tenso, marcado por el afecto que poco a poco desplaza los celos de la hija de Mercedes. Ella ve con recelo cómo la cuidadora se convierte en la principal confidente y apoyo emocional de su madre, una situación que expone las complejidades de las relaciones familiares cuando la enfermedad golpea.

Lo notable de “Querido trópico” es su ritmo pausado, una calma que se respira en cada plano. Endara evita el dramatismo exacerbado y en su lugar utiliza cortes cuidadosos y un estilo minimalista para enfatizar la intimidad entre los personajes. Las escenas entre Mercedes y Ana María están cargadas de silencios y pequeños gestos, haciendo que los momentos en los que Mercedes le corta a Ana María con su sarcasmo o con alguna crítica punzante sean más potentes, recordándonos que el Alzheimer no borra de inmediato las personalidades, sino que las desdibuja lentamente.

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El trasfondo iberoamericano añade una capa interesante al filme. La película entrelaza las culturas de sus protagonistas: una chilena, una colombiana y el contexto panameño que las rodea. Aunque no se aborda de manera explícita, la multiculturalidad de “Querido trópico” refleja las conexiones y tensiones propias de la diáspora y las experiencias compartidas en la región. Esta diversidad añade una textura especial a la relación entre las mujeres, donde las diferencias sociales y culturales se diluyen ante la necesidad humana de apoyo y comprensión.

Con una duración de 108 minutos, “Querido trópico” nunca se siente excesiva; cada minuto parece necesario para construir esta delicada narrativa sobre el Alzheimer, la soledad y las inesperadas relaciones que surgen en los momentos más oscuros. Ana Endara, en su debut en la ficción, nos entrega una película que es una reflexión sobre los personajes y el cuidado, la pérdida y el afecto que surge de los lugares más inesperados.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.