Después de haber visto la película “Corina” y con las emociones aún a flor de piel, nos encontramos con Úrsula Barba Hopfner. Ella es la directora y ésta su ópera prima, con la que viene al Festival Internacional de Cine Guanajuato (GIFF). La acompaña Carlos Hernández, el productor de esta obra cinematográfica, que ha abierto el festival en Irapuato, en julio pasado.
- Pregunta: la película “Corina” viene de otro festival, ¿fue premiada en alguna categoría? ¿Nos puedes comentar esos inicios?
- Úrsula: Claro, la película se estrenó en el Festival Internacional de Guadalajara, y ahí tuvimos el honor de recibir el premio al mejor largometraje hecho en Jalisco. La verdad es que el festival en Guanajuato nos ha recibido de manera preciosa. Ha sido una experiencia riquísima para mí y una plataforma sumamente importante para “Corina”. El éxito de recepción fue increíble, los aplausos no paraban y la gente estaba deseando hacer preguntas. La energía en la función de inauguración en Irapuato fue hermosa; la reacción del público fue muy linda, lo cual fue muy grato.
- La película ha tenido una muy buena recepción tanto en Jalisco como en Guanajuato. ¿Qué puedes decir al respecto?
- Úrsula: Sin planearlo tanto, la película ha llegado a sus dos casas, Jalisco y Guanajuato. La película cuenta con apoyo de ambos estados, se filmó casi todo en Jalisco, pero comparten esa paternidad. Me gusta mucho cómo la gente de ambos estados la ha recibido con mucho cariño.
- En la película juegas con la realidad y la fantasía, como al inicio cuando ella anda y detrás está viviendo su pasado. ¿Por qué utilizas esos elementos?
- Úrsula: Creo que así somos los seres humanos, tenemos muchas capas y realidades. Al principio de la película, Corina recuerda la muerte de su padre cuando tenía 8 años. Cinematográficamente, queríamos abordar el flashback en la misma imagen con ella durante el plano secuencia, para que se entendiera que es un recuerdo suyo cada vez que pasa por ese lugar. Samuel (Sosa) y yo, el coguionista, compartimos un humor bastante oscuro, lo cual creo que se refleja en la película. Al salir del estreno en Guadalajara, Samuel y yo nos sentimos como niños traviesos porque las tonterías que escribimos estaban funcionando.
- Se podría comparar tu película con las de otros directores como Wes Anderson. ¿Cómo logras que tu película sea amena y la gente quiera seguir viéndola?
- Úrsula: Cuando salí de la escuela, no me sentía preparada para mi ópera prima. Formé una carrera como editora y eso me dio un ritmo intrínseco que pude llevar al set. La edición me regaló un ritmo que disfruto y que proyecté en la película. La idea de las percusiones, por ejemplo, surgió de una conversación con el fotógrafo. Le puse “Bloodbuzz Ohio” de The National porque quería que ese ritmo representara el corazón de Corina, que enfrenta la vida con una agorafobia que le causa taquicardia.
- Hablaste de los colores en tu película. ¿Qué importancia tienen?
- Úrsula: Los colores en la película tienen significados específicos. El rojo representa la violencia y el enojo, el azul simboliza la libertad y el destino, y el amarillo la locura. Corina, que es antisocial y tiene ciertos problemas mentales, va vestida de amarillo. Cuando el amarillo envejece se convierte en café, que es el color de su madre. El verde y el rosa representan la zona de confort.
- ¿Cómo decidiste apostar por una película en la que la protagonista casi no habla?
- Carlos: Fue una decisión integral. Conocí a Úrsula y a Samuel, leí el guion y ya conocía los cortos previos de Úrsula. Sabía que el guion era sólido y tenía un humor particular que me encantaba, además de una estética y propuesta de dirección fascinante. Todo esto hizo que la decisión de producir “Corina” fuera muy fácil para mí.
Póster de la película galardonada en el festival mexicano. Foto: Gentileza
- ¿Qué hay de los estrenos en festivales de Europa y Norteamérica?
- Carlos: Estamos esperando respuestas de algunos festivales en Europa para el estreno internacional, y también solicitudes para el estreno en Norteamérica. En México, la película tendrá un estreno amplio en enero de 2025, lo cual nos entusiasma mucho.
- Tu película ha sido comparada con las de Wes Anderson y “Amélie”. ¿Tienen estas influencias en tu vida cinematográfica?
- Úrsula: Abordé “Corina” desde una nostalgia a mi adolescencia, a finales de los años 1990 e inicios de los 2000. “Corina” sucede en el año 2000, y se la hice a mi yo de 17 años. Todas esas películas de Wes Anderson, “Amélie”, y el cine mexicano de esa época me marcaron e inspiraron muchísimo. Creo que se refleja en “Corina” porque llevo esos encuadres y estilos en la sangre.
- Muchísimas gracias por este tiempo. Esperamos mucho éxito con la película y que sigas haciendo muchas más.
- Úrsula: Me conmueve mucho lo que dices. Estoy profundamente agradecida.
* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.
Celebran el preestreno de “Una sola primavera” en Asunción
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Este lunes 16 de setiembre, a las 17:30, en Cinemark del Paseo La Galería se extiende la alfombra roja para el preestreno de la película con producción paraguaya “Una sola primavera”, dirigida por el correntino Joaquín Pedretti, inspirada en hechos reales de la revolución de 1947 en Paraguay. La ficción se estrenará en cines nacionales el jueves 19 de setiembre, con actuaciones de conocidos actores locales como Majo Cabrera, Éver Enciso y Miguel “Paletita” Romero.
La actriz paraguaya Majo Cabrera, quien compartió pantalla con Robert De Niro en la serie “Nada”, encarna a la protagonista de esta historia basada en vivencias de la abuela paraguaya de Pedretti. La acompañan los actores compatriotas Salma Vera y Ever Enciso, destacado en la serie de Netflix “ADN del delito”, y el argentino Mauricio Paniagua, conocido por su papel en la serie “Monzón” de Sony. También forma parte del elenco Miguel “Paletita” Romero, reconocido actor paraguayo que participó en películas como “7 cajas”.
Ambientada en Asunción en 1947, en plena guerra civil, la película narra la vida de Nina, una joven de 20 años con el sueño de convertirse en cantante. Sin embargo, cuando su familia revolucionaria se ve obligada a huir, Nina debe adaptarse a su nuevo rol como criada en la casa de sus parientes opositores y conservadores. Decidida a luchar por sus ideales, se involucra en la liberación de presos políticos y se enamora de uno de ellos, lo que la lleva a tomar la arriesgada decisión de escapar, no solo de la casa y la guerra, sino del país entero.
A través de la travesía de Nina, “Una sola primavera” rinde homenaje a los miles de emigrantes que, aún hoy, cruzan fronteras con la esperanza de un futuro mejor. La película es también un tributo a las mujeres que luchan por su emancipación en medio de la adversidad. La Revolución del ‘47, última guerra civil en Paraguay, dejó una profunda huella en la historia del país. Comenzó el 7 de marzo de 1947 y culminó en agosto del mismo año, dejando un saldo de aproximadamente 30.000 muertos y un exilio masivo, principalmente hacia Argentina.
El programa “Expresso”, transmitido por GEN/Nación Media, Augusto dos Santos recibe a la cineasta paraguaya residente en España Cris Arana. Foto: Emilio Bazán
Cris Arana: “Hay que tener memoria para construir un país”
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Fotos: Emilio Bazán
En esta edición del programa “Expresso”, transmitido por GEN/Nación Media, Augusto dos Santos recibe a la cineasta paraguaya residente en España Cris Arana, quien estrenó recientemente el cortometraje documental “Emilio Barreto: ángeles y demonios”, que cuenta la vida del actor y perseguido político durante la dictadura. Además de compartir la experiencia del rodaje de esta y otras producciones, Arana hace un llamado a no olvidar el pasado como clave para construir el futuro de nuestro país.
–Te quiero agradecer primero por este importante aporte a la memoria en un país desmemoriado.
–La verdad es que estamos rescatando la memoria de una persona que vivió una etapa muy oscura de Paraguay, 35 años de dictadura tuvimos y 35 años de democracia se cumplen ahora. Me puse a reflexionar sobre esto y hay que tener memoria porque de eso se trata construir un país entero.
–Cuéntanos cómo empezó esto de contar la historia de Emilio Barreto.
–Yo vivo en España desde los 17 años. En plena pandemia, en 2020, vine para acá y entonces en ese momento me puse a buscar historias que contar. Me reuní con mi amiga Tana Schémbori y hablando así de cosas me dice “¿conoces a Soledad Barrett?”. Entonces empiezo a investigar digo “qué pasada de historia”. Entonces, hicimos ese ejercicio de hacerle entrevistas a personas que conocían la historia en concreto de Soledad. Y entonces me dice Tana “te tengo que presentar a Emilio Barreto porque él conoció a Soledad y él es un actor muy conocido”. Llegamos a su casa y él empieza a decir “cuando mataron a Soledad, creo que yo ya estaba en la cárcel”. Entonces fue como el punto de partida.
–Era puro testimonio.
–Sin parar contó todo lo que le habían hecho, el día que lo secuestraron, el día que secuestraron a su mujer. Yo le pregunté “¿por qué estuviste en la cárcel?”. Y él no sabía contestar. Una persona que pensaba diferente y por eso estuvo 13 años de su vida en la cárcel.
RECONEXIÓN CON PARAGUAY
–Antes de sumergirnos en el documental sobre Emilio, ¿puedes hablarnos un poquito de “Y”, tu trabajo anterior?
–Ese trabajo fue muy bonito porque fue inesperado totalmente. Gracias a York volví a conectar con Paraguay. Vine para aquí y York trabajaba en el mundo de la moda. Entonces él me dice “yo quiero hacer un corto contigo”. Yo tenía en la cabeza “yo quiero hacer esto”. En plena pandemia vine y hacía un calor de morirte, pero a las cinco de la tarde cortaban el agua. Y digo ¿pero por qué cortan el agua? Yo estaba obsesionada todo el rato con el tema del agua y venga bidones y venga botellas y venga cualquier cantidad de cacerola. Estábamos en la pandemia, necesitamos lavarnos todo el rato. Yo preguntaba a la gente y entonces me decían “no pasa nada con el agua”. Y luego empecé a entender. Se acostumbraron a vivir de esta manera. Nos acostumbramos a vivir de una forma precaria. No se puede vivir de esta manera.
–¿Cuál fue el siguiente paso?
–El director de fotografía Diego Benítez me dice “vamos a hacerlo ya”. Cuando eso ya habíamos conocido a Emilio y entonces yo estaba visualizando rodarlo en casa de Emilio y qué loco que Diego también me dice lo mismo. Esa conexión entre director y director de fotografía tiene que haber. Si no te lee la otra persona es muy complicado.
–¿Y en ese tiempo Emilio ya sabía que iba a ser centro de una película?
–No. Ya habíamos grabado el testimonio de Emilio, pero yo todavía no había vuelto a España. Veo todo el material que habíamos rodado con Emilio y me acuerdo que me dice mi editor y “¿qué hacemos con esto?”. Qué increíble su historia. Una hora y media un señor sentado contándote todo sobre su vida. Ves los brutos y no te levantas de la pantalla.
DUALIDAD
–Hay una frase emblemática del avance de la película donde habla de ángeles y demonios. ¿Qué ángeles y demonios existen al interior de esa película?
–Pobrecito. Él mismo lo dice: “Dentro mío hay un ángel y también hay un demonio”. O sea, entre el perdón y el no perdonar. Ese hombre tendrá un montón de cosas en la cabeza. Él dice en el documental “perdono a mis torturadores, pero no perdono a la gente que ordenaba hacer esto”.
–¿Qué te dejó esta historia?
–Ha sido un proceso de cuatro años y yo recién ahora me estoy dando cuenta también de la importancia de recuperar y de haber hecho este trabajo. Es importantísimo lo que hemos hecho, pero recién ahora soy conciente de ello.
En un momento dado yo lo veía también veía como guionista, como directora y como productora. Ahora cuando me estoy empezando a dar cuenta de la importancia que tiene todo esto, estamos recuperando la memoria de un señor de un pasado bastante oscuro. Y además, esta es la historia de amor de Emilio. Y 13 años de su vida estuvo en la cárcel sin haber sido juzgado. Entonces, es recuperar la historia de un país. Y creo que deberíamos hacer este ejercicio de reflexión. Bueno, ¿cómo estamos ahora?
–¿Te parece que está bastante ausente en la sociedad la mirada crítica sobre el pasado?
–Claro, es que no se habla del tema. Esto es un puente que se convierte en dos mundos. Es como una oda a la memoria y la historia, pero luego veo gente que dice “ojalá vuelva el general”. Digo entonces “creo que no se sabe mucho sobre esto”. Yo me acuerdo que cuando era pequeña decían “cuando estaba Stroessner se vivía mejor”.
–¿Ya conocías a Emilio como actor? ¿Cómo te impactó como persona?
–Pues no lo conocía. Me lo presentaron y empecé a investigar sobre él y después de haberme contado su historia, veo todo lo que aparece en internet, la información que hay es que él es actor. Había alguno que otro documento por ahí de que efectivamente él había estado en la cárcel, pero no solamente Emilio, un montón de gente desapareció, desapareció el padre de Emilio, el hermano de Emilio.
OLVIDO
–Eran desapariciones familiares.
–Hay un olvido permanente, aquí de esto no se habla. Y creo que es muy importante hablar de esto. En España le mostré a un amigo mío documentalista y me dice “tienes que ver esto, esto y esto. Madre mía, lo que le pasó a este hombre, pero que sepas que en España esto ha ocurrido cantidad de veces”. Empecé a ver documentales uno detrás de otro y luego digo “habrá que hacer este documental”.
La cineasta paraguaya Cris Arana
–Muy impactante también esta experiencia porque Emilio, después de relatar a través de de su actoría a miles de personajes, un día se encuentra con el desafío de relatarse él mismo.
–A esto es lo que iba. Le llamo por teléfono y le digo “oye, Emilio, ¿a ti te gustaría hacer un documental sobre tu vida”. Y me dice “por favor, yo necesito contar esto”. Entonces, fíjate lo que es la magia del cine, ¿no? O sea, si no hubiéramos llegado a conocer a Emilio, si no hubiéramos hecho ese trabajo de investigación sobre otra persona, el testimonio de Emilio se hubiera quedado allí. Y nadie más hubiera hablado de ello, excepto esos familiares, esos hijos, ¿no? Pero tener esto es muy importante, es recuperar la memoria, que es una forma también cultural y educacional. Cuando veas la película te darás cuenta.
–¿Que se trate de un profesional de la comunicación desde su condición de actor dio un plus para el relato de su vida?
–Él es actor, pero no está actuando esto que nos está contando. O sea, él vivió todo eso. A él lo secuestraron, lo torturaron. A su mujer también la secuestraron, perdió lo que podría haber sido su primer hijo. Le pasaron muchas cosas y todavía se sigue acordando. El otro día él me dice “Cris, te tengo que decir una cosa. El otro día me llamó un periodista de Argentina y esto no te lo he contado porque tenía muchísima vergüenza. A mi esposa le enviaban trocitos de mi oreja, pero que sepas que le he contado a este periodista, pero no te lo he contado a ti. Lo siento mucho”. Este hombre pidiéndome perdón porque no me había contado que le habían cortado la oreja. O sea, Emilio, ¡perdóname tú!
–¿Qué es lo que puedes contar de la peli?, ¿cómo está organizada?, ¿la locación?
–Empezamos a rodar en su casa. Fue cuatro años de rodaje entre que yo iba y venía. Y él siempre esperando. Cuando él acepta hacer el documental yo empiezo a hacer un cuestionario, una especie de escaleta. Para mí fue una escuela también, un aprendizaje. Es mi primer cortometraje documental. Y entonces empiezo a hacer ese trabajo de preguntas y llego a su casa. Entonces le digo “para romper un poco todo esto, ¿te importa que vayamos recorriendo lugares por donde habías estado?”. Entonces fuimos al río, fuimos a Emboscada, fuimos al Museo de las Memorias. Allí él iba relatando poco a poco, pero era complicado porque yo tenía tanta presión en el cuerpo.
–Y que no pareciera la búsqueda del dolor por el dolor, sino por la transmisión de la memoria.
–Exacto. De repente te cuento esto. Una anécdota que dice... Bueno, mejor habría que ver la película (risas).
HISTORIA DE AMOR
–Y supongo que el tratamiento de la peli tiene todo un cuidado especial.
–El otro día fue el preestreno. Emilio no lo había visto nunca y me dice “¿entonces ya me puedes enviar la película? Le digo no “Emilio, lo tengo que ver contigo”. El otro día lo vimos y fue muy emocionante. Tuvimos dos proyecciones. En la primera proyección, llegó un momento en que me agarra la mano y no me suelta hasta el final. La segunda proyección se rompe y llora. En la primera proyección estaba mirando los detalles, porque claro, él sabe toda su historia, él se acuerda de todo lo que habíamos grabado, entonces quería ver cómo estaba hecha la película, y efectivamente es que es una historia de amor que desborda emoción, simbolismo. Al terminar de rodar se lo envío a amigos míos que son programadores, que son distribuidores, y me dicen “Cris, es muy complejo este formato, tienes un mediometraje. Acuérdate que en los festivales o son largometrajes o cortometrajes. Ya me costó la primera vez el corte.
–Y cuál era tu disyuntiva, ¿alargarla o acortarla?
–Es que ya no teníamos dinero y no sabíamos qué cortar en la película. Vaya sufrimiento, rodar, editarlo. Ahora estoy feliz porque ya la hemos estrenado, ya se ve la peli, es maravillosa. Emilio lo quiere a su película y el equipo también está orgulloso del trabajo que hemos hecho.
–En gran medida para las diferentes formas de relato histórico en Paraguay, los grandes momentos son las guerras. Después empiezan los momentos oscuros que no salieron a la luz y creo que ese es un aspecto fundamental de tu película.
–Lo que no se cuenta no existe y como esto es un documental estamos contando algo que ha ocurrido, que es real y creo que aquí es donde tenemos que reflexionar al ver la película. Paraguay tiene algo pendiente con todo esto que ocurrió en aquel entonces. Hay víctimas, familiares. Creo que esto es como una grieta abierta y contándolo se sana. Esto es como cuando tú vas al psicólogo porque quieres sanar algo o porque quieres que te ayude en algo.
–Y también en 30 años, aunque ya no estuvieran las víctimas, la memoria es lo que tendría que ayudar para que los errores no se repitan.
–Se supone, pero eso es algo muy fantasioso. Se vuelve a repetir. Mira cómo está el mundo.
Cris Arana
LA REALIDAD COMO INSUMO
–A propósito del mundo, ¿cómo vive una realizadora paraguaya en España?
–Ahora mismo estoy centrada en la escritura, estoy escribiendo la película que quiero rodar aquí en Paraguay. Es ficción inspirada en hechos reales. O sea, cosas que me han ocurrido. A mí me gusta contar historias que en realidad ocurrieron o que han ocurrido o me han inspirado por una fotografía, o una historia que me han contado o una historia que haya visto. Y luego tengo otro proyecto, que es sobre el confinamiento. Esto lo empecé con un periódico en España. Lo que pasa es que nadie quiere hablar del confinamiento todavía. Entonces es un tema complejo. No sobre el covid, sino sobre el encierro.
–Tenés razón, se ha hablado muy poco de ese fenómeno social del confinamiento.
–Exacto, hubo un antes y un después de todo esto que vivimos.
–¿Cómo es el cine en Paraguay hoy?
–Pues creo que se están haciendo cosas muy chulas, ¿no? Bueno, poco a poco. Esto es como todo.
–Es una industria nueva, es un país nuevo.
–Exacto. Paraguay es un país muy joven. Entonces hay mucho por hacer, hay gente con muchísimas ganas. Mira todas las películas que se han hecho. Enfocados en calidad realmente.
Museo Iconográfico del Quijote: la locura por el caballero de la triste figura en Guanajuato
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Texto y fotos: David Sánchez, desde Guanajuato (México), X: @tegustamuchoelc (*)
El Museo Iconográfico del Quijote en Guanajuato se erige como un epicentro cultural dinámico que enriquece la oferta artística y literaria de la región, manteniendo viva la herencia cervantina en México y el mundo.
El Museo Iconográfico del Quijote (MIQ) en Guanajuato, México, es un referente cultural y artístico que surge gracias a la iniciativa y donación de Eulalio Ferrer, un exiliado español que encontró en la figura de Don Quijote un símbolo de libertad, justicia y amistad durante su estancia en un campo de concentración. Ferrer, tras sobrevivir a la guerra civil española, llegó a México, donde desarrolló una exitosa carrera en la publicidad y se dedicó a coleccionar obras relacionadas con El Quijote.
FUNDACIÓN DEL MUSEO
La idea de crear el MIQ se materializó cuando Ferrer, tras reunir una vasta colección de arte y ediciones de la obra de Cervantes, decidió buscar un lugar adecuado para alojarla. Según Alejandra Sánchez Gutiérrez, coordinadora de proyectos culturales del MIQ, “este museo surge por la iniciativa y la donación de su mecenas, el doctor Eulalio Ferrer. Él es un español que estuvo exiliado en México y que, en su historia de vida, cuando estuvo en un campo de concentración justo llegó a sus manos un ejemplar de la edición Calleja, una edición chiquita de El Quijote; la intercambió por una cajetilla de cigarros”. Esta lectura en momentos tan complejos le ayudó a sobrevivir y marcó profundamente su vida, desarrollando una afición por la figura de Don Quijote.
Museo de Cervantes
COLECCIÓN Y OFERTA CULTURAL
“Como todo buen coleccionista, Eulalio Ferrer hizo una colección muy importante de obras alrededor de la figura del Quijote”, comenta Alejandra. El MIQ no solo exhibe una extensa colección de arte y ediciones del Quijote, sino que también ofrece una biblioteca con obras críticas y ediciones diversas del clásico cervantino. Además, el museo organiza conciertos, proyecciones de cine y tiene un espacio llamado La Manchita para fomentar la lectura y el arte entre los niños. También realiza publicaciones trilingües (en español, lenguas indígenas y otros idiomas como inglés o francés) dirigidas a jóvenes y niños, reforzando su compromiso con la promoción de la literatura y las artes.
Museo de Cervantes
EL FESTIVAL INTERNACIONAL CERVANTINO
El Festival Internacional Cervantino (FIC) es uno de los eventos culturales más importantes de América Latina y se celebra anualmente en Guanajuato. Este festival, que se originó a partir de las representaciones populares de entremeses cervantinos en la plazuela de San Roque, ha evolucionado hasta convertirse en una celebración de diversas disciplinas artísticas, incluyendo música, danza, teatro y exposiciones.
“Resulta que en Guanajuato, por esta tradición que tiene, hay un teatro de entremeses cervantinos en la plazuela de San Roque en el centro de la ciudad”, explica Alejandra.
“Para los habitantes de San Roque, participar en alguno de estos personajes en este teatro popular en los entremeses cervantinos era un símbolo de orgullo”, expresó.
Museo cervantino
PAPEL DEL MIQ EN EL FIC
Durante el FIC, el Museo Iconográfico del Quijote se convierte en una sede clave, ofreciendo exposiciones temporales y participando en las actividades programadas. Alejandra detalla: “Nosotros nos concentramos principalmente en la exposición de arte. Nos sumamos, claro, somos sede también de algunas de estas actividades y entre esas nuestra oferta principal son las exposiciones temporales. Es para nosotros una de las más importantes exposiciones del año porque sabemos que recibimos muchísimo público de todos lados”.
Estas exposiciones temporales, que complementan la colección permanente del museo, atraen a numerosos visitantes nacionales e internacionales, consolidando al MIQ como un centro cultural vital dentro del festival.
El Museo Iconográfico del Quijote en Guanajuato se erige como un epicentro cultural dinámico que enriquece la oferta artística y literaria de la región, manteniendo viva la herencia cervantina en México y el mundo. “La intención de hacer mucha referencia a los libros, a la literatura y a las artes en general es importante para nosotros”, concluye Alejandra.
Estatua de Miguel de CervantesUn cuadro de Miguel de Cervantes en México
* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.
El Festival de Cine de Mar del Plata confirmó fechas y secciones
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El Festival de Mar del Plata festejará sus 70 años con su edición número 39 a partir del jueves 21 de noviembre al domingo 1 de diciembre con todas sus competencias y premios de la última entrega. La ceremonia de apertura tendrá lugar el 21 de noviembre, mientras que la de clausura, en la que serán anunciados los ganadores, será el 30 de noviembre.
En una ceremonia previa, numerosas organizaciones de la industria del cine otorgarán premios a las mejores películas argentinas que participarán en todas las competencias. A través de un comunicado de prensa, el único evento cinematográfico de categoría A de Sudamérica confirmó estas fechas, así como las secciones que continuarán en esta nueva edición.
Como cada año, la atención se centrará en las cinco competencias del festival: la Competencia Internacional, que sigue las reglas de la FIAPF (Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos); la Competencia Latinoamericana de Largometrajes y Cortometrajes; la Competencia Argentina de Largometrajes y Cortometrajes; la Competencia Estados Alterados, dedicada al cine experimental; y el Work in Progress, que apoyará proyectos en desarrollo.
También estará la sección Panorama, destinada a exhibir interesantes propuestas del cine nacional e internacional, donde también habrá segmentos tradicionales como el dedicado a los niños, Mar de Chicos y Chicas, Hora Cero para el cine de terror, Autores, para cineastas destacados y Nuevos Autores, que permitirá descubrir nuevas voces.
Para celebrar esta trayectoria, el festival prepara un ciclo en el que volverán a proyectarse grandes títulos que comenzaron su recorrido en Mar del Plata. Además, habrá homenajes a importantes películas argentinas que celebran su 50 aniversario. Tradicionalmente organizado por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina, la edición número 39 será una realización conjunta entre el INCAA y la Municipalidad de General Pueyrredón, de la provincia de Buenos Aires.
Los directores artísticos del Festival de Mar del Plata, Gabriel Lerman y Jorge Stamadianos, aportan su vasta experiencia en la industria cinematográfica; Lerman, veterano periodista de cine radicado en Los Ángeles, ha sido jurado de los Globos de Oro durante 20 años y ha trabajado para importantes medios en Argentina, México, Estados Unidos y España; mientras que Stamadianos, director de cine graduado del CERC, se desempeñó como vicepresidente del departamento de ficción de Fox Latin American Channels y fue director creativo del canal National Geographic para América Latina.
Fundado en 1954 bajo la presidencia de Juan Domingo Perón como Primera Muestra Cinematográfica, en su primera edición contó con 52 largometrajes y 49 cortos que representaban a 18 países. A partir de 1959 fue organizado por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina, que lo convirtió en competitivo. Con el paso de los años se fue transformando en el más importante de América Latina. La última edición de esta primera etapa fue en 1970. En 1996 regresó luego de 26 años de ausencia, reposicionándose como un acontecimiento artístico-cultural anual imprescindible, en los que fue plataforma de lanzamiento de muchas películas argentinas que tuvieron repercusión nacional e internacional.