Shelley Duvall, la versátil actriz conocida por su papel en “El resplandor” (The Shinning) junto a Jack Nicholson y por su relación laboral con el director Robert Altman, murió el jueves pasado en el sur de Estados Unidos a los 75 años. Citando a su pareja Dan Gilroy, el medio The Hollywood Reporter informó que Duvall murió mientras dormía en su casa en la ciudad de Blanco, estado de Texas, tras afrontar complicaciones por la diabetes.
Nacida el 7 de julio de 1949 en Fort Worth (Texas), Duvall fue descubierta por Altman, el cineasta inconformista conocido por sus ricos personajes, aguda crítica social y afilada sátira, quien la eligió para la comedia negra de 1970 “Brewster McCloud”.
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La actriz desarrolló un amplio repertorio, abriéndose camino en el mundo de la gran pantalla con “Nashville” (1975) y pasando a interpretar personajes memorables y excéntricos que le valieron algunos premios, incluido el de Cannes por su papel en el aclamado drama “3 Mujeres” (“3 Women”, 1977).
Su carrera estuvo definida básicamente por su trabajo con Altman, con quien dijo que seguía actuando porque “me ofrece papeles muy buenos”. “Ninguno de ellos ha sido igual”, declaró al diario The New York Times en 1977. Pero su actuación más destacada fue su papel en la adaptación cinematográfica de la novela de horror de Stephen King “El resplandor”, de 1980 y dirigida por el británico Stanley Kubrick, compartiendo con una estrella como Jack Nicholson.
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Kubrick la puso a prueba para interpretar el papel de Wendy Torrance en esta película clásica del género de terror. El film cuenta la historia de su marido escritor, quien es contratado como casero de invierno en un solitario hotel en las montañas y que sufre trastornos que lo llevan a una locura homicida. De ahí en más, el protagonista aterroriza a su esposa y su pequeño hijo en el lugar.
Duvall le confesó a la revista People en 1981 que el trabajo de 13 meses de filmación fue agotador y que Kubrick la hizo “llorar 12 horas al día durante semanas enteras”. También tuvo corta aparición en la cinta “Annie Hall”, dirigida por Woody Allen (1977), y actuó junto a Robin Williams en la interpretación de Altman de “Popeye” (1980). En la década de 1980, se abrió camino en programación para el público infantil.
Fuente: AFP.
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Transformers, una terrorífica familia y un pingüino renuevan los cines
Tres películas actualizan la cartelera de cine este jueves: la animación “Transformers uno”, el remake “No hables con extraños” y el drama con Jean Reno basado en una historia real, “Mi amigo el pingüino”. Además, dos películas paraguayas siguen con funciones: “No entres” de Hugo Cardozo, que se mantiene entre los tres títulos más vistos de la última semana; y “Los últimos”, premiado documental de Sebastián Peña Escobar que aborda la situación de los bosques del Chaco ante los incendios forestales, en el Cine Villamorra.
El director de “Toy Story 4″ (2019), Josh Cooley presenta, con “Transformers uno”, la historia del origen de Optimus Prime y Megatron, y de cómo pasaron de ser hermanos de armas que cambiaron el destino de Cybertron para siempre, a convertirse en enemigos acérrimos. Esta franquicia, derivada de una línea de juguetes que se popularizó en los ochenta con una serie animada, atrajo a nuevas generaciones con la saga de cine creada en 2007 por el director Michael Bay y producida por Steven Spielberg.
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El actor británico James McAvoy, conocido por “X-Men” y “Fragmentado”, bajo la dirección de su compatriota James Watkins, autor de “Eden Lake” (2008) y episodios de “Black Mirror”, traen la versión estadounidense de “Gæsterne/Speak No Evil” (2022) de Christian Tafdrup, producción danesa de terror sobre una familia que es invitada a pasar el fin de semana en la idílica finca de otra encantadora familia británica con la que entablaron amistad durante las vacaciones.
Alejado de papeles de hombre duro que lo hicieron famoso, con películas como “El perfecto asesino/León” o “Misión imposible”; a sus 76 años, el actor francés Jean Reno reaparece con el entrañable drama “Mi amigo el pingüino”, dirigido por el brasileño David Schurmann, en que personifica a Joao, un pescador brasileño que rescata a un pingüino, Din Dim, cubierto de petróleo y al borde de la muerte en una playa de una isla remota frente a la costa de Brasil. La historia original comenzó en 2011 en Provetá, el pescador real se llama Pereira de Souza, quien cada junio era fielmente visitado por su peculiar amigo animal.
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Cris Arana: “Sentí la obligación de contar la historia de Emilio Barreto”
El cortometraje documental “Emilio Barreto: ángeles y demonios”, escrito y dirigido por la cineasta paraguaya Cris Arana, se estrena en Paraguay este martes 10 de setiembre, a las 19:00, en el Centro Cultural de España “Juan de Salazar”, ubicado en Herrera 834 casi Tacuary, en Asunción, con entrada libre y gratuita. El audiovisual de 26 minutos aborda la historia del destacado actor de teatro y cine que fue secuestrado por la dictadura de Stroessner el 22 de junio de 1965 y recuperó su libertad 13 años después, en febrero de 1978.
“Tienen que ir a verlo porque es una historia importante, es una historia de amor que hemos rescatado, de Emilio Barreto, un hombre que estuvo 13 años en la cárcel durante el régimen militar de Paraguay. Entonces, es importante ver nuestra historia”, dijo la guionista, directora y productora, que también es de nacionalidad española tras radicarse en ese país. “Emilio nos cuenta su testimonio, lo que vivió durante 13 años. Luego, también la historia de amor con su mujer, con su compañera, con su gran amor que fue Nimia (Báez, fallecida en la pandemia), y fue la que salvó a Emilio”, agregó Arana en una entrevista en estudios de “Arriba hoy”, del canal GEN y Universo 970 AM/Nación Media.
Sobre el origen del proyecto, la cineasta relató: “Esto ocurrió en plena pandemia, buscando historias que contar, estábamos haciendo un ejercicio, un trabajo de investigación, íbamos buscando historias sobre Soledad Barrett. Entonces, estábamos haciendo entrevistas a gente que conoció y vivió aquella época, y resulta que Emilio conoció a esta mujer, cuando eran pequeños. Cuando estábamos haciendo la entrevista nos dice ‘cuando mataron a Soledad, yo ya estaba en la cárcel’, a partir de allí empezamos a preguntarle por qué estuvo en la cárcel, porque todos los que estaban allí conocían el trabajo de Emilio como actor, director, guionista, profesor de guaraní, conocían toda esa trayectoria, el peso artístico de Emilio, pero no conocían la historia de Emilio”.
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Rescatar la memoria
“Lo que nos estaba contando, a mí me pareció importante y creo que me sentía con la obligación de contar la historia de Emilio. A partir de allí, durante 4 años, comenzamos a grabar a Emilio cada vez que yo venía a Paraguay”, recordó Arana, que contó con la producción ejecutiva de Vicky Ramírez Jou (”7 cajas”, “Leal”) y estrenó este corto en la competencia oficial del Festival de Cracovia (Polonia), en su edición número 64, que se desarrolló a fines de mayo pasado.
“Cuando estrenamos el documental en Cracovia, es un festival muy grande y toda la gente que estaba ahí era del mundo de la industria, entonces no eran amigos míos; es verdad que Polonia tiene una sensibilidad con este tipo de historias, por toda la memoria que hay ahí”, comentó la realizadora a Nación Media. “Pero al preestrenarlo aquí he visto la reacción de la gente y, sobre todo, he visto la reacción de Emilio, del equipo que no lo había visto nunca, es otra cosa totalmente diferente, a nosotros nos toca muchísimo porque es algo que no se ha contado. Hay mucha gente que ha vivido esta historia y no le hemos dado voz a sus experiencias, por eso creo que es muy importante rescatar la memoria de nuestro país. Qué me deja a mí como cineasta, como guionista: una experiencia increíble”.
“Emilio Barreto: ángeles y demonios” es el quinto cortometraje y el primero documental de Cris Arana, nacida en Caaguazú en 1985, que reside en España desde hace 20 años. Sus anteriores obras son: “Y agua en guaraní” (2022), “Transition” (2019), “Workingay” (2019) y “Package” (2018). Todos estos trabajos de la directora se presentarán el 6 de noviembre en la Casa de las Américas en Madrid, y marcará el estreno en España de la producción dedicada a la historia del actor paraguayo, mientras se aguarda la confirmación de próximos festivales, según anunció la cineasta en el canal GEN.
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México celebra su fiesta patria con caricaturas, música y cine
La Embajada de México en Paraguay presenta una serie de actividades culturales para conmemorar su fiesta patria al cumplirse 214 años de independencia, que inició ayer domingo con el festival gastronómico y cultural “¡Viva México!” en la plaza Infante Rivarola, y que continuará con una exposición, música y cine. México tuvo un prologando proceso de independencia del dominio español, que duró una década y coincidió en el mes de setiembre su inicio y fin, entre el 16 de setiembre de 1810 y el 27 de setiembre de 1821.
El miércoles 11 de setiembre, a las 19:30, en la Manzana de la Rivera (Ayolas 129) se inaugura la exposición “Trino. El arte de reírnos de nosotros mismos”, con tiras cómicas del famoso monero mexicano José Trinidad Camacho, conocido como Trino. Hasta el 2 de octubre, con entrada gratuita, podrá verse la serie de dibujos de las crónicas, aventuras y fábulas del universo de los personajes creados por el más innovador y provocador caricaturista de México, en donde se retratan situaciones cotidianas con desenfado y muchas veces absurdas.
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El programa continuará el sábado 14 de setiembre, a las 20:00, con “La Fiesta Mexicana”, un concierto de música popular mexicana en el Teatro Municipal de Asunción “Ignacio A. Pane” (Presidente Franco entre Chile y Alberdi), con cobro de entradas. Mientras que el jueves 26 de setiembre, a las 19:00, será la proyección del largometraje “La mitad del mundo” (2009) de Jaime Ruiz Ibáñez, en el Centro Cultural “Juan Rulfo” de la Embajada de México, ubicado en avenida España 1428 casi San Rafael, en Asunción.
Dicha ópera prima, que compitió por tres Premios Ariel y en el Festival de Morelia con su mezcla de drama y comedia negra, narra la historia de Mingo, un joven con cierto retraso mental, carismático y poeta fantasioso que pone atención a los detalles más insignificantes de la vida cotidiana. Su nueva condición de amante le traerá popularidad y también problemas: pondrá al descubierto los prejuicios y la falsa moral de un pueblo enceguecido que, para lavar sus culpas, cobrará venganza con la muerte del menos culpable.
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El arte de Trino
El caricaturista, José Trino Camacho, nacido en Guadalajara en 1961, es uno de los mejores moneros de México, con una trayectoria de más de 40 años en los medios impresos y electrónicos y que expone de forma magnánima sus tiras cómicas con un humor ácido y directo. Sus caricaturas abarcan distintas temáticas, desde un inocente chiste infantil hasta una mordaz crítica política. El célebre humorista mexicano ha recibido numerosos reconocimientos nacionales e internacionales. A través de sus personajes y series, Trino satiriza y, al mismo tiempo, festeja las alegrías y los absurdos de la vida en México, utilizando un lenguaje humorístico personal e inconfundible.
El objetivo de esta exposición es ayudar a reflexionar sobre la realidad política, económica y social a través del humor. Aunado a que el mundo creado por Trino es representativo de la cultura popular de México. En el México contemporáneo, al caricaturista que dibuja y/o escribe tiras cómicas de los periódicos y revistas se le conoce como “monero”. Sus “monitos”, pueden ser de tinte político o de cualquier otra clase de humor, cuyo fin es contribuir a entender y generar conciencia sobre temas políticos, económicos y sociales del país.
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Una maravilla del cine iraní que deja con la boca abierta
Por David Sánchez. Toulouse (Francia). X: @tegustamuchoelc (*)
“The Witness” de Nader Saeivar es una película que, como un espejo roto, refleja múltiples facetas de la sociedad iraní, haciendo uso de referencias sutiles pero poderosas para crear una narrativa que desafía las normas establecidas y la cárcel en Irán. Comparar los elementos simbólicos de la película con la realidad iraní y con el cine occidental nos permite desentrañar las capas de significado que Saeivar ha tejido cuidadosamente.
La película contiene imágenes que podrían pasar desapercibidas: helicópteros militares sobrevolando la ciudad de Teherán. En un primer vistazo, podría parecer una simple escena de fondo, pero en el contexto iraní, se convierte en un símbolo de la constante vigilancia y represión que pesa sobre los ciudadanos. Esta sutil presencia militar recuerda a la omnipresencia del control estatal, una realidad que se refleja en la vida diaria de los personajes. Comparando este simbolismo con la libertad que a menudo damos por sentada en Occidente, la diferencia es abismal. En la cinta cada elemento del entorno resuena con significados profundos, como el águila que vuela sobre las montañas, simbolizando una libertad que la protagonista anhela, pero que la sociedad opresiva le niega.
El uso de la pintura de Goya “Los fusilamientos del 3 de mayo” en la cocina de la protagonista es otra referencia cargada de significado. Goya pintó este cuadro como una protesta contra la tiranía de Napoleón, y Saeivar lo utiliza para establecer un paralelismo entre la lucha del pueblo español y la resistencia de la protagonista iraní contra un gobierno opresor. Esta comparación subraya la universalidad de la lucha por la libertad y los derechos humanos, ya sea en la España del siglo XIX o en el Irán contemporáneo. Aquí, la película conecta con la tradición del cine comprometido que denuncia la opresión, un tema que, aunque común en el cine iraní, sigue siendo sorprendente dada la censura y las represalias que muchos cineastas enfrentan en Irán.
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Uno de los aspectos más impactantes de “The Witness” es cómo aborda la ley islámica, en particular el artículo 630, que permite, según el film, a un esposo matar a su esposa adúltera. Aunque la película no deja claro si este artículo es real o inventado, el hecho de que se atreva a mencionarlo es un acto de valentía. En Occidente, tal representación sería vista como una crítica directa y audaz, pero en el contexto iraní, es un desafío a las normas y una muestra de la habilidad de Saeivar para burlar la censura con ingenio. Este acto de subversión se hace aún más notable cuando recordamos que otros cineastas iraníes han sido encarcelados o han tenido que exiliarse por tratar temas similares, entre ellos un director adorado en este medio Mohammad Rasoulof.
La actuación de Maryam Boubani en su personaje de Tarlan es sencillamente extraordinaria. Su evolución a lo largo de la película refleja la presión asfixiante de una sociedad que exige obediencia y conformidad. Desde la relación tensa con su hijo ingrato (y por qué no decirlo, medio tonto) hasta la carga de vivir bajo leyes injustas, Boubani captura la desesperación y la fortaleza de su personaje con una precisión emocional que es difícil de igualar. Comparando su interpretación con el cine occidental, uno podría pensar en actrices como Meryl Streep o Cate Blanchett, cuyas actuaciones también trascienden la pantalla para resonar profundamente con el espectador. Sin embargo, lo que Boubani logra es aún más impresionante dado el contexto restrictivo en el que trabaja.
El humor, aunque sutil, también tiene su lugar en la película, especialmente a través del hijo de la protagonista, un personaje que, en su propia torpeza, añade una capa de humanidad y realidad a la historia. Este contraste entre la dureza del entorno y los escasos momentos de humor recuerda a los toques de realismo mágico en el cine de directores como Fellini o Almodóvar, donde lo absurdo se entrelaza con lo cotidiano para subrayar la tragedia de la vida. No perderse EL momento de realismo mágico con la maravillosa escena final, una verdadera joya con un potente mensaje.
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Un aspecto sorprendente es la participación del propio director, Nader Saeivar, en el papel de un farmacéutico, un detalle que añade una capa adicional de meta-narrativa al filme. Esta decisión, aunque pequeña, subraya el control y la visión personal que Saeivar tiene sobre su obra, un enfoque que también se ha visto en el trabajo de directores como Alfred Hitchcock, quienes aparecían brevemente en sus películas, pero siempre con un propósito. Este director aún tiene que mucho que dar aún, si le dejan, ya que, con su tercera película como director, una cada dos años, nos tiene ya esperando al 2026 para la siguiente.
Finalmente, la danza juega un papel crucial en la película, simbolizando la resistencia y la esperanza de un futuro mejor. La escena culminante, en la que la hija baila frente a su padre, es una declaración poderosa de desafío contra las normas opresivas. Este acto, tan simple y hermoso, tiene un peso enorme, mostrando que, a pesar de las restricciones, la cultura y el arte pueden ser herramientas poderosas de resistencia. Comparada con el cine occidental, esta escena podría evocar la rebelión silenciosa de los personajes en películas como Billy Elliot bailando delante de su padre, donde la danza también se convierte en un acto de liberación.
“The Witness” es, sin duda, una obra maestra, otra más del cine iraní contemporáneo, que, a través de sus referencias y simbolismos, ofrece una crítica profunda de la sociedad en la que se inscribe.
* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.