Aprovechando las vacaciones de invierno, se ofrecerá la jornada de Capacitación Docente para el Uso Didáctico de la película y el Texto-Guía Educativo “En el infierno del Chaco - Conmemoración 90 años de la Guerra del Chaco”, el jueves 18 de julio, en horario de 13:30 a 18:00, en el auditorio “Ruy Díaz de Guzmán” de la Manzana de la Rivera (Ayolas 129), en Asunción, con acceso libre con inscripción previa en este formulario.
La capacitación será conducida por el investigador, historiador del cine y cineasta Hugo Gamarra Etcheverry con el apoyo del Instituto Nacional del Audiovisual Paraguayo (INAP), el Centro Cultural de la Ciudad Carlos Colombino Manzana de la Rivera, en colaboración con el Instituto Superior de Bellas Artes (ISBA), la Fundación Cinemateca del Paraguay y Ara Films Producciones.
Esta actividad es una extensión de la Semana del Cine Paraguayo, celebrada por el INAP para conmemorar el “Día del Cine y del Audiovisual Paraguayo”. “En el infierno del Chaco” (1932, 52 minutos), del fotógrafo argentino Roque Funes, registró el ambiente en el mismo año que inició la contienda chaqueña. Esta película (que se creía perdida durante décadas) fue declarada de Interés Educativo por el Ministerio de Educación y Ciencias (MEC).
Lea más: Paraguay Animation entrega los Premios Jaguatá 2024
Programa y modalidad
La única sesión presencial incluirá una exposición sobre el cine documental y la proyección de la película histórica “En el infierno del Chaco”, seguida de un debate. Los participantes serán capacitados en técnicas de cine-debate y recibirán orientaciones pedagógicas para las actividades a realizar antes y después de la exhibición de la película, sugiriendo actividades de análisis, de investigación y de creación artística.
La actividad educativa-cultural está dirigida a docentes del tercer ciclo Escolar Básico, Nivel Medio y Nivel Superior de cualquier entidad educativa en Paraguay. La actividad tiene por objetivo el aprovechamiento en el aula de la película y del Texto-Guía Educativo (escrito por el docente Hugo Gamarra) como herramientas didácticas, en el marco de los 90 años de la Guerra del Chaco y la próxima fecha histórica del 29 de setiembre, en que se conmemora la batalla de Boquerón.
La inscripción previa es necesaria para acceder a la caja que contiene la película y el Texto-Guía Educativo, a ser entregada gratuitamente por el INAP. Los interesados podrán obtener un certificado de participación. La publicación y puesta en valor ciudadano del DVD con el Texto-Guía fue posible gracias a los aportes del Fondec y la Fundación Cinemateca del Paraguay, con el apoyo de INAP, ISBA y la Paraguaya Inmobiliaria.
Lea también: DocPy: “La situación actual del sector audiovisual es realmente positiva”
Dejanos tu comentario
México celebra su fiesta patria con caricaturas, música y cine
La Embajada de México en Paraguay presenta una serie de actividades culturales para conmemorar su fiesta patria al cumplirse 214 años de independencia, que inició ayer domingo con el festival gastronómico y cultural “¡Viva México!” en la plaza Infante Rivarola, y que continuará con una exposición, música y cine. México tuvo un prologando proceso de independencia del dominio español, que duró una década y coincidió en el mes de setiembre su inicio y fin, entre el 16 de setiembre de 1810 y el 27 de setiembre de 1821.
El miércoles 11 de setiembre, a las 19:30, en la Manzana de la Rivera (Ayolas 129) se inaugura la exposición “Trino. El arte de reírnos de nosotros mismos”, con tiras cómicas del famoso monero mexicano José Trinidad Camacho, conocido como Trino. Hasta el 2 de octubre, con entrada gratuita, podrá verse la serie de dibujos de las crónicas, aventuras y fábulas del universo de los personajes creados por el más innovador y provocador caricaturista de México, en donde se retratan situaciones cotidianas con desenfado y muchas veces absurdas.
Lea más: La Escuela Artigas recibe la “Sinfonía divertida” de la OSCA
El programa continuará el sábado 14 de setiembre, a las 20:00, con “La Fiesta Mexicana”, un concierto de música popular mexicana en el Teatro Municipal de Asunción “Ignacio A. Pane” (Presidente Franco entre Chile y Alberdi), con cobro de entradas. Mientras que el jueves 26 de setiembre, a las 19:00, será la proyección del largometraje “La mitad del mundo” (2009) de Jaime Ruiz Ibáñez, en el Centro Cultural “Juan Rulfo” de la Embajada de México, ubicado en avenida España 1428 casi San Rafael, en Asunción.
Dicha ópera prima, que compitió por tres Premios Ariel y en el Festival de Morelia con su mezcla de drama y comedia negra, narra la historia de Mingo, un joven con cierto retraso mental, carismático y poeta fantasioso que pone atención a los detalles más insignificantes de la vida cotidiana. Su nueva condición de amante le traerá popularidad y también problemas: pondrá al descubierto los prejuicios y la falsa moral de un pueblo enceguecido que, para lavar sus culpas, cobrará venganza con la muerte del menos culpable.
Lea también: La paraguaya que hizo llegar recetas típicas a la lejana isla de Tasmania
El arte de Trino
El caricaturista, José Trino Camacho, nacido en Guadalajara en 1961, es uno de los mejores moneros de México, con una trayectoria de más de 40 años en los medios impresos y electrónicos y que expone de forma magnánima sus tiras cómicas con un humor ácido y directo. Sus caricaturas abarcan distintas temáticas, desde un inocente chiste infantil hasta una mordaz crítica política. El célebre humorista mexicano ha recibido numerosos reconocimientos nacionales e internacionales. A través de sus personajes y series, Trino satiriza y, al mismo tiempo, festeja las alegrías y los absurdos de la vida en México, utilizando un lenguaje humorístico personal e inconfundible.
El objetivo de esta exposición es ayudar a reflexionar sobre la realidad política, económica y social a través del humor. Aunado a que el mundo creado por Trino es representativo de la cultura popular de México. En el México contemporáneo, al caricaturista que dibuja y/o escribe tiras cómicas de los periódicos y revistas se le conoce como “monero”. Sus “monitos”, pueden ser de tinte político o de cualquier otra clase de humor, cuyo fin es contribuir a entender y generar conciencia sobre temas políticos, económicos y sociales del país.
Dejanos tu comentario
Una maravilla del cine iraní que deja con la boca abierta
Por David Sánchez. Toulouse (Francia). X: @tegustamuchoelc (*)
“The Witness” de Nader Saeivar es una película que, como un espejo roto, refleja múltiples facetas de la sociedad iraní, haciendo uso de referencias sutiles pero poderosas para crear una narrativa que desafía las normas establecidas y la cárcel en Irán. Comparar los elementos simbólicos de la película con la realidad iraní y con el cine occidental nos permite desentrañar las capas de significado que Saeivar ha tejido cuidadosamente.
La película contiene imágenes que podrían pasar desapercibidas: helicópteros militares sobrevolando la ciudad de Teherán. En un primer vistazo, podría parecer una simple escena de fondo, pero en el contexto iraní, se convierte en un símbolo de la constante vigilancia y represión que pesa sobre los ciudadanos. Esta sutil presencia militar recuerda a la omnipresencia del control estatal, una realidad que se refleja en la vida diaria de los personajes. Comparando este simbolismo con la libertad que a menudo damos por sentada en Occidente, la diferencia es abismal. En la cinta cada elemento del entorno resuena con significados profundos, como el águila que vuela sobre las montañas, simbolizando una libertad que la protagonista anhela, pero que la sociedad opresiva le niega.
El uso de la pintura de Goya “Los fusilamientos del 3 de mayo” en la cocina de la protagonista es otra referencia cargada de significado. Goya pintó este cuadro como una protesta contra la tiranía de Napoleón, y Saeivar lo utiliza para establecer un paralelismo entre la lucha del pueblo español y la resistencia de la protagonista iraní contra un gobierno opresor. Esta comparación subraya la universalidad de la lucha por la libertad y los derechos humanos, ya sea en la España del siglo XIX o en el Irán contemporáneo. Aquí, la película conecta con la tradición del cine comprometido que denuncia la opresión, un tema que, aunque común en el cine iraní, sigue siendo sorprendente dada la censura y las represalias que muchos cineastas enfrentan en Irán.
Lea más: Joaquín Cosío: “Tenía que elegir entre ser actor o escritor, pero decidí hacer ambas cosas”
Uno de los aspectos más impactantes de “The Witness” es cómo aborda la ley islámica, en particular el artículo 630, que permite, según el film, a un esposo matar a su esposa adúltera. Aunque la película no deja claro si este artículo es real o inventado, el hecho de que se atreva a mencionarlo es un acto de valentía. En Occidente, tal representación sería vista como una crítica directa y audaz, pero en el contexto iraní, es un desafío a las normas y una muestra de la habilidad de Saeivar para burlar la censura con ingenio. Este acto de subversión se hace aún más notable cuando recordamos que otros cineastas iraníes han sido encarcelados o han tenido que exiliarse por tratar temas similares, entre ellos un director adorado en este medio Mohammad Rasoulof.
La actuación de Maryam Boubani en su personaje de Tarlan es sencillamente extraordinaria. Su evolución a lo largo de la película refleja la presión asfixiante de una sociedad que exige obediencia y conformidad. Desde la relación tensa con su hijo ingrato (y por qué no decirlo, medio tonto) hasta la carga de vivir bajo leyes injustas, Boubani captura la desesperación y la fortaleza de su personaje con una precisión emocional que es difícil de igualar. Comparando su interpretación con el cine occidental, uno podría pensar en actrices como Meryl Streep o Cate Blanchett, cuyas actuaciones también trascienden la pantalla para resonar profundamente con el espectador. Sin embargo, lo que Boubani logra es aún más impresionante dado el contexto restrictivo en el que trabaja.
El humor, aunque sutil, también tiene su lugar en la película, especialmente a través del hijo de la protagonista, un personaje que, en su propia torpeza, añade una capa de humanidad y realidad a la historia. Este contraste entre la dureza del entorno y los escasos momentos de humor recuerda a los toques de realismo mágico en el cine de directores como Fellini o Almodóvar, donde lo absurdo se entrelaza con lo cotidiano para subrayar la tragedia de la vida. No perderse EL momento de realismo mágico con la maravillosa escena final, una verdadera joya con un potente mensaje.
Lea también: Arturo Ripstein y su recuerdo de Buñuel
Un aspecto sorprendente es la participación del propio director, Nader Saeivar, en el papel de un farmacéutico, un detalle que añade una capa adicional de meta-narrativa al filme. Esta decisión, aunque pequeña, subraya el control y la visión personal que Saeivar tiene sobre su obra, un enfoque que también se ha visto en el trabajo de directores como Alfred Hitchcock, quienes aparecían brevemente en sus películas, pero siempre con un propósito. Este director aún tiene que mucho que dar aún, si le dejan, ya que, con su tercera película como director, una cada dos años, nos tiene ya esperando al 2026 para la siguiente.
Finalmente, la danza juega un papel crucial en la película, simbolizando la resistencia y la esperanza de un futuro mejor. La escena culminante, en la que la hija baila frente a su padre, es una declaración poderosa de desafío contra las normas opresivas. Este acto, tan simple y hermoso, tiene un peso enorme, mostrando que, a pesar de las restricciones, la cultura y el arte pueden ser herramientas poderosas de resistencia. Comparada con el cine occidental, esta escena podría evocar la rebelión silenciosa de los personajes en películas como Billy Elliot bailando delante de su padre, donde la danza también se convierte en un acto de liberación.
“The Witness” es, sin duda, una obra maestra, otra más del cine iraní contemporáneo, que, a través de sus referencias y simbolismos, ofrece una crítica profunda de la sociedad en la que se inscribe.
* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.
Dejanos tu comentario
“El mohicano”, luchando contra la corrupción en Córcega
Por David Sánchez. Toulouse (Francia). X: @tegustamuchoelc (*)
La película “Le mohican” o “El mohicano”, dirigida por Frédéric Farrucci y protagonizada por Alexis Manenti y Mara Taquin, es una película que parte de la selección Orizzonti Extra en el Festival de Cine de Venecia 2024.
La cinta mezcla la intensidad de una persecución implacable con la profundidad de una transformación revolucionaria. Ambientada en la salvaje y hermosa isla de Córcega, la película sigue a Joseph, un pastor solitario y testarudo, que se enfrenta a la mafia que intenta arrebatarle su tierra. Este conflicto lo convierte en un fugitivo, perseguido tanto por la ley como por sus enemigos, mientras su sobrina Vannina utiliza las redes sociales para mantener viva su leyenda.
La película no solo se gana el calificativo de “necesaria”, sino que lo hace con total merecimiento. Este filme, un thriller social disfrazado de cine negro, nos enfrenta cara a cara con la corrupción y las mafias que, como una sombra, se extienden por todo el mundo, aunque en esta ocasión la trama se sitúa en el contexto de la especulación inmobiliaria en Córcega. Farrucci nos ofrece una obra que, aunque localizada, se universaliza en su denuncia: la corrupción no conoce fronteras, y las mafias, aunque disfrazadas con trajes diferentes, operan bajo los mismos principios en todos los países.
Lea más: Joaquín Cosío: “Tenía que elegir entre ser actor o escritor, pero decidí hacer ambas cosas”
El filme refleja una realidad incómoda y vigente: en cualquier rincón del mundo, los “malos” visibles son apenas la punta del iceberg. Debajo de ellos, se esconde un entramado de complicidades que involucran a instituciones que deberían ser imparciales, y a medios de comunicación que han sido comprados por los poderes fácticos. La ley, que debería ser un baluarte de igualdad, se muestra en esta película como una entidad que aplica con doble rasero: mientras algunos son juzgados con el peso total de la justicia, otros son favorecidos por la misma.
Es aquí donde Farrucci da un golpe directo, una crítica feroz que resuena con situaciones actuales, como lo que sucede en Brasil, donde las redes sociales son censuradas para proteger a ciertos individuos. En “El Mohicano”, las redes sociales emergen como la última trinchera de la libertad de expresión, una herramienta que los ciudadanos utilizan para decir lo que los medios tradicionales, atados de manos, no pueden o no quieren decir.
La elección de Córcega no es casual. Esta isla, con su historia de conflictos y su reputación de ser un territorio donde la ley a menudo se dobla bajo la presión de las mafias locales, se convierte en un espejo de otros lugares en Europa. Farrucci nos recuerda con maestría que, aunque estemos en el corazón de Europa, la impunidad sigue siendo un veneno que se esparce, fortaleciéndose en regiones donde una minoría ruidosa y violenta somete a la mayoría que no comparte sus opiniones. Este miedo que se respira en Córcega es similar al que se vivía en el País Vasco español en los años 90, un miedo que paraliza y que obliga a los ciudadanos a mantenerse en silencio.
Lea también: Arturo Ripstein y su recuerdo de Buñuel
En medio de este panorama sombrío, Alexis Manenti brilla con luz propia. Su interpretación de Joseph es una de las razones por las cuales “El Mohicano” se eleva por encima de otras películas del año, tomando el relevo de actor indispensable que en 2022 fue Karim Leklou para “Pour la France”. Manenti, a quien ya hemos visto en obras como “Les Misérables” y “Athena”, logra transmitir de manera magistral el agotamiento físico y emocional de un hombre que ha estado huyendo de la mafia. La escena en la que, recién operado, se reúne con un grupo de granjeros es una muestra sublime de su capacidad actoral. Su rostro, marcado por la fatiga y la desesperanza, nos hace dudar junto a él si finalmente se rendirá.
“El Mohicano” es una obra que destaca en el panorama cinematográfico francés por su valentía al denunciar y por la profundidad con la que aborda temas necesarios de discutir.
* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.
Dejanos tu comentario
“Super Happy Forever”, el film japonés que no es tan feliz
Por David Sánchez. Toulouse (Francia). X: @tegustamuchoelc (*)
“Super Happy Forever” que se presenta en el Festival de Venecia 2024, dentro de la sección Giornate degli Autori (días de los autores), surgió en 2018 cuando Hiroki Sano y Yoshinori Miyata propusieron hacer un filme donde interpretaran sus propios personajes. La historia se desarrolla entre 2018 y 2023, con un “paréntesis” de la pandemia de covid-19, que afectó profundamente a la vida de todos. El director se inspiró en la muerte repentina de un amigo cercano en 2021, lo que le provocó una gran conmoción y le motivó a explorar esos sentimientos en la película. El casting fue sencillo, con Sano y Miyata como protagonistas, y Naoru Yamamoto fue recomendada por Miyata para el papel de Nagi.
Durante el rodaje, el director valoró mucho la colaboración y el intercambio de ideas entre el equipo técnico, que se mantuvo reducido para fomentar una buena comunicación. Las localizaciones en la península de Izu, especialmente el hotel principal, se seleccionaron cuidadosamente para crear la atmósfera adecuada.
En la postproducción, el director trabajó inicialmente con la editora Keiko Ohkawa y luego continuó solo, reduciendo la película a una forma más simple y fuerte. La música también desempeña un papel narrativo importante, con la canción “Beyond the Sea” de Bobby Darin como inspiración, y una partitura original compuesta por Daigo Sakuragi.
El cineasta japonés Kohei Igarashi, con este film desafía las expectativas desde su propio título. Aunque podría sugerir una historia alegre y optimista, la película se sumerge en temas profundamente humanos como el amor, la pérdida y la inevitabilidad del destino. La película logra entrelazar el pasado y el presente en un relato conmovedor y agridulce.
La historia sigue a Sano (interpretado por Hiroki Sano) y su amigo Miyata (Yoshinori Miyata) en su regreso a Izu, un balneario japonés donde, cinco años antes, Sano conoció y se enamoró de su esposa Nagi (Nairu Yamamoto). La película se estructura en dos partes claramente definidas: la primera se centra en la lucha de Sano por sobrellevar la reciente y súbita muerte de Nagi, mientras que la segunda nos lleva al momento en que ambos se conocieron, cinco años atrás, reviviendo el nacimiento de su amor.
Lea más: Joaquín Cosío: “Tenía que elegir entre ser actor o escritor, pero decidí hacer ambas cosas”
Igarashi utiliza la narrativa no lineal para explorar cómo los recuerdos y los objetos asociados a ellos pueden moldear y, a veces, distorsionar nuestra comprensión del presente. Sano, que se encuentra en una lucha interna contra el dolor de la pérdida, busca desesperadamente un sombrero rojo que Nagi perdió años atrás. Este sombrero, más que un simple objeto, se convierte en un símbolo del vínculo que compartieron y del destino que los unió.
El destino juega un papel central en el film, casi como si fuera un personaje más. A través de tomas que siguen a los personajes por el balneario y vistas en retrospectiva que revelan cómo se entrelazaron sus vidas, la película sugiere que el destino no solo une a las personas, sino que también puede tener un aspecto lúdico y caprichoso. Este juego del destino se manifiesta, por ejemplo, en una escena donde Sano y Nagi comparten fideos en plena noche, una escena que sugiere que el destino mismo parece conspirar para entrelazar sus vidas.
Visualmente, la película destaca por su uso cuidadoso del color, con el azul y el rojo apareciendo de manera prominente para evocar recuerdos compartidos y emociones pasadas. Estas elecciones de color no solo embellecen la narrativa visual, sino que también profundizan en la psique de los personajes, especialmente en la relación entre Sano y Nagi. La primera mitad de la película está marcada por la lucha de Sano contra la avalancha de recuerdos dolorosos tras la muerte de Nagi, mientras que, en la segunda mitad, conocemos a una Nagi despreocupada, cuya olvidadiza naturaleza contrasta con su profesión de fotógrafa, un oficio que podría reflejar su necesidad de capturar y conservar momentos.
Lea también: Arturo Ripstein y su recuerdo de Buñuel
La música, como indicamos anteriormente, también juega un rol esencial en la narración, especialmente con la recurrente “Beyond the Sea” de Bobby Darin, que actúa como un hilo conductor a lo largo de la película, simbolizando la eternidad del amor y los recuerdos. Sin embargo, es la partitura original de Daigo Sakuragi la que proporciona una textura única a la película, acentuando la repetición y los ecos del pasado que persisten en la vida de los personajes.
El reparto principal, compuesto por Hiroki Sano, Yoshinori Miyata y Nairu Yamamoto, logra una química palpable que ancla la historia en la realidad emocional de sus personajes. Además, Hoang Nhu Quynh, en el papel de Anh, la empleada vietnamita del hotel, se convierte en una presencia inesperadamente crucial, portando el sombrero rojo de Nagi en la escena final y simbolizando la continuación de los recuerdos compartidos entre Sano y Nagi.
“Super Happy Forever” es una obra que, a pesar de su aparente simplicidad, está cargada de complejidad emocional y simbolismo. Al narrar una historia de amor desde su trágico final hasta su tierno comienzo, Igarashi nos recuerda que, aunque el tiempo pueda desvanecer los momentos felices, estos nunca se pierden por completo. La película, en su esencia, es un tributo a la durabilidad del amor y la memoria, presentando una visión melancólica pero reconfortante del ciclo interminable de la vida y el destino.
* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.