El próximo 19 de diciembre llega a los cines “Mufasa’” la precuela de “El rey león” (2019) que, dirigida por Barry Jenkins, relata cómo un cachorro huérfano, perdido y solo en tierra extraña acabará convirtiéndose en un gran rey gracias al “amor”. Una historia sobre la familia, en el sentido más amplio e inclusivo del término, que aborda “temas complejos” relacionados con “cómo nos cuidamos unos a otros” y “cómo nos comportamos en sociedad”, según apunta el propio Jenkins, que espera que esta nueva entrega de la saga de Disney pueda inspirar a niños de todo el mundo tal y como lo hacen, señala, las vidas de ídolos deportivos como Lamine Yamal o Nico Williams.

“Durante 30 años, hemos asumido que Mufasa es perfecto, el maravilloso rey que desciende de un linaje real. Y en esta película, de repente, te enteras de que es huérfano. Literalmente podría haber sido un niño de cualquier país que acaba en un campo de refugiados, es adoptado por una familia y recibe todo este amor por parte de esta madre. Y es así cómo acaba siendo un líder maravilloso”, expone Jenkins en un encuentro con la prensa durante su visita a Madrid en el que compara la historia del protagonista de ‘Mufasa’ con la de dos de las estrellas más rutilantes del fútbol español.

“Hablábamos de fútbol anoche. Aquí tenéis a estos dos jugadores, Lamine Yamal y Nico Williams, y estos chicos no vienen de los mismos lugares que, por ejemplo, Iniesta, pero han acabado en el mismo sitio. Son símbolos de la grandeza de vuestro país y no hay nada malo con esto”, reflexiona el cineasta que destaca cómo los viajes vitales de estos futbolistas, al igual que el relata su película, pueden inspirar a niños de todo el mundo.

Así, el director subraya que en lugar de suponer una “presión” añadida, trabajar en una franquicia tan conocida como ‘El Rey León’ supone “una oportunidad maravillosa de poder hablar a tantísima gente” y lanzar un mensaje positivo sobre “temas complejos” a través de personajes que “son muy identificables en distintos idiomas, en distintas regiones y en distintos países”.

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Así, y en lugar de “asumir que no puedo ser como él porque no tengo linaje real”, Jenkins espera que al ver ‘Mufasa’ jóvenes y no tan jóvenes se den cuenta de que todo es posible y de que, al igual “ese cachorro que fue arrastrado por un río y acabó en una situación en la cual una mujer decidió que merecía amor y gracias a ese amor se convierte en la gran persona y líder que conocemos”, ellos también pueden lograr lo que se propongan.

Y es que, efectivamente, ‘Mufasa’ es una película sobre el viaje de dos hermanos nacidos en familias distintas, pero sobre todo es, destaca el director, “una película sobre madres e hijos”. “Mi madre falleció cuando estaba rodando esta película y en cierta forma la energía de Eshe y Mafia, la madre y la madre adoptiva de Mufasa, son dos elementos que sentí que era muy importante que se reflejaran en la película”, recuerda emocionado el realizador para el que el aspecto tecnológico fue el gran reto de este proyecto.

“Si soy honesto, creo que lo que más me restringía era la tecnología. Una vez superé la barrera de la tecnología, pensaba que podía hacer cualquier cosa”, recuerda el director de ‘Moonlight ' y ‘El blues de Beale Street’ que, pese a lo “intensos” que son los fans de Disney, y lo sobreprotectores que pueden llegar a ser con franquicias tan queridas como ‘El Rey León’, insiste en que “hay algo precioso en rodar con personajes que todo el mundo conoce”.

“Los niños lo ven, los adolescentes lo ven, los adultos lo ven, lo ven en muchos países, en muchos idiomas distintos... es un vehículo muy bueno para hablar de temas complicados y reflexionar sobre cuestiones complejas”, dice Jenkins que destaca la inteligencia de Disney al no querer hacer de ‘Mufasa’ una película que no fuera nada más que un ‘fan service’ pero al mismo tiempo saber “abrazar todo eso que los fans aman de los personajes para llevar la historia a otro plano”.

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Y es que este filme no es solo la historia del joven Mufasa y cómo se convirtió en rey, sino también del gran villano de la saga, Scar, cuyo gran giro ya han ‘spoileado’ los adelantos promocionales del filme. “No considero que Scar sea un villano, ni tampoco su padre”, señala Jenkins que asegura que le “encanta” la idea de que en sus películas “no haya villanos, solo personas complicadas”.

En todo caso, el realizador señala que no se sintió para nada condicionado o encorsetado al afrontar este proyecto, ya que lo relatado en ‘Mufasa’ “no había pasado antes en las otras cintas de ‘El Rey León’” y su objetivo no era “repetir lo que ya se había hecho en las películas anteriores”. “Trabajar con personajes que la gente ama, me ha permitido jugar con la condición humana, con elementos de la sociedad, con sus comportamientos... Y tal vez por esto me sentí un poco libre”, reflexiona el realizador.

Y para alcanzar esa “libertad” fue clave, asegura, “poder contar con todas las personas con las que he trabajado antes en mis otras películas”. Así, y valiéndose de la baza de que fue Disney quien acudió a él para pedirle que se hiciera cargo del proyecto, Jenkins reclutó “al mismo montador, el mismo productor, el mismo guionista...” que, en sus otras producciones, de corte mucho más independiente. Algo que, dice, le ha dado a ‘Mufasa’ su propia voz.

“Una película es la composición de muchas partes pequeñitas creadas por todos los artistas que trabajan en ella. Así que, si hacía esto sin el resto, no se reflejaría bien”, explica el cineasta que, al armar la película, un proceso que recuerda le llevó cuatro años, sintió junto a su equipo “muchísima pasión y emoción” al comprobar que el trabajo “reflejaba nuestra voz”.

“Mufasa” sirve como precuela de tres iteraciones anteriores de “El rey león” y cada una de ellas fue un éxito rutilante: la película original de 1994 ganadora de dos Oscar con la que comenzó la leyenda, la nueva versión de 2019 dirigida por Jon Favreau que rozó los 1.500 millones de dólares en taquilla y el premiado y muy exitoso musical de Broadway que ha viajado por más de medio planeta y que lleva varias décadas en cartel. Un listón muy alto que Jenkins afronta con pasmosa naturalidad.

“Sentí más presión en mi proyecto anterior, era una serie titulada ‘El ferrocarril subterráneo’”, confiesa para explicar que en aquella ocasión “creía que si fracasaba, al ser la historia de los esclavos africanos en Estados Unidos, era decepcionar a toda mi gente”. “Y bueno, si fracaso aquí es como: ‘Vale, Barry Jenkins la ha liado porque ha fracasado con El Rey León’, pero eso solo me afecta a mí. En la anterior era decepcionar a una raza entera, a todos los negros de Estados Unidos, eran cosas distintas”, señala aliviado.

Y como en entregas anteriores de la franquicia, un elemento fundamental será la música que en este caso está compuesta por Nicholas Britell y con canciones originales de Lin-Manuel Miranda (‘La sirenita’, ‘Hamilton’). “La música de la primera película es súper icónica”, reconoce Jenkins que desde la admiración y absoluto “respeto” por lo que hicieron artista de la talla de Lebo M, Hans Zimmer, Elton John o Tim Rice, señala que el objetivo era “tomar la energía de esa música y hacer algo nuevo”. “Creo que todos somos ya un poco viejos para escuchar constantemente las mismas canciones”, concluye.

Fuente: Europa Press.

La odisea de cuatro menores indígenas que sobrevivieron tras deambular por 40 días en la Amazonía colombiana en 2023 llega a Netflix con “Los niños perdidos”, documental presentado este martes en Bogotá y que revela los pormenores de un rescate que sorprendió al mundo.

Coproducido con la cadena colombiana Caracol, el filme que se estrenará en la plataforma el jueves fue realizado a partir archivos de video y entrevistas a militares, indígenas y allegados a los hermanos desamparados en la selva tras un accidente de avioneta, según contaron sus directores en un evento para la prensa.

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El documental sobre la intensa búsqueda de Lesly, entonces de 13 años, Soleiny (9), Tien Noriel (5) y Cristin (1) Mucutuy también narra la inédita unión entre soldados y aborígenes, explicó el cineasta británico Orlando von Einsiedel, galardonado con el premio Óscar en 2017.

“La historia que se desprendió de esta búsqueda y rescate, de dos grupos históricamente divididos uniéndose es un elemento increíblemente inspirador”, aseguró. Los cuatro hermanos desaparecieron en la espesa selva el 1 de mayo de 2023. Su madre, el piloto de la avioneta y un tercer acompañante murieron por el desplome del aparato en el departamento de Caquetá (sur).

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En la búsqueda trabajaron en conjunto voluntarios indígenas que conocían el terreno y miembros de las Fuerzas Armadas. Lo que comenzó como una relación de desconfianza en medio de un territorio dominado por grupos armados ilegales, terminó en una épica proeza en la que tácticas militares conectaron con el conocimiento ancestral de los nativos. La cinta se narra en ausencia de sus protagonistas, que permanecen alejados de las cámaras bajo el cuidado de la entidad estatal de protección de menores.

Con una secuencia animada, los realizadores recrearon el testimonio que dio a las autoridades tras el rescate la hermana mayor, Lesly, la heroína que aseguró la supervivencia de sus hermanos con frutos silvestres y pescado crudo. “Era una forma más poética, más sensible, más ética” de retratar su experiencia, señaló el cineasta peruano-británico Lali Houghton.

Fuente: AFP.

“Pedro Páramo”, la mítica novela del escritor mexicano Juan Rulfo, llega a la pantalla de Netflix bajo la batuta del director de fotografía Rodrigo Prieto, quien dejó Hollywood para sumirse en la fantasmagórica Comala, donde ocurre la historia. Un desierto polvoriento bajo un sol abrasador es el escenario en el que se asoma el pueblo: así empieza la primera película de Prieto como director.

Prieto recién había asumido la fotografía de “Barbie”, de Greta Gerwig, y de “Killers of the flower moon” (Los asesinos de la luna), de Martin Scorsese, cuando adaptó a la pantalla esta obra que aún se lee en colegios de toda América Latina. “Se la mostré a Martin Scorsese y a su hija Francesca”, contó Prieto en el reciente Festival de Cine de Morelia.

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Cinéfilo absoluto, Scorsese se mostró interesado, inclusive sin conocer la historia ni la mentalidad del México profundo que quiso retratar Rulfo en la novela publicada en 1955. “Me dijo: ‘Oye, este plano debería ser un poco más largo’. Lo alargué un poquito. Dos planos me sugirió que fueran más largos”, relató Prieto, y añadió que también el hijo del escritor colombiano Gabriel García Márquez, Rodrigo García, fue su consejero.

La historia empieza con la llegada de Juan Preciado (interpretado por el actor mexicano Tenoch Huerta) a Comala para cumplir con la promesa que le hizo a su madre recién fallecida: buscar a su padre, Pedro Páramo. Así retrata Prieto uno de los arranques más famosos de la literatura en español, en algún lugar entre el Quijote y “Cien años de soledad”: “Vine a Comala porque me dijeron que acá vivía mi padre, un tal Pedro Páramo”.

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El papel del cacique Páramo lo interpreta Manuel García Rulfo, que tiene un lejano parentesco con el autor de la novela. “(Juan Rulfo) era primo hermano de mi abuelo, entonces tío abuelo mío”, contó el actor en un programa de promoción de la película.

“Es increíble la oportunidad que me diera Rodrigo de hacer este personaje tan complejo”, agradeció. “Más allá del tirano, del cacique, yo busqué humanizarlo”, dijo. Además de su fotografía, la película destaca también por las intérpretes femeninas que luchan contra el machismo arraigado en este México tradicional, como Ilse Salas, Yoshira Escárrega, Dolores Heredia, Giovanna Zacarías y Mayra Batalla.

Fuente: AFP.

Por David Sánchez, desde Tesalónica (Grecia), X: @tegustamuchoelc (*).

Tras ganar el premio al mejor guion en la sección Orizzonti del Festival de Venecia 2024, pudimos ver en el Festival Internacional de Cine de Tesalónica (Grecia) la película “Happy Holidays”, dirigida por Scandar Copti, que presenta una muy lograda perspectiva compleja sobre la vida de varias familias árabes en Israel, exponiendo las tensiones entre la tradición y el deseo de integración en una sociedad occidental.

Es significativo que entre los productores se encuentre Doha, un detalle que podría resultar sorpresivo dado el cuestionamiento cultural implícito que la película plantea. A pesar de este respaldo, el filme no evita abordar temas tabúes o mostrar personajes con aspiraciones de libertad y modernidad, como la protagonista Fifi (Manar Shehab), quien desea vivir su juventud sin las restricciones que impone la cultura conservadora en la que creció.

Un aspecto notable es la baja representación de mujeres con velo que vemos en pantalla, haciendo que el espectador no habituado a diferenciar árabe de musulmán lo pueda ver como un contraste con las imágenes habituales en otros países occidentales como Francia, donde, paradójicamente, es más común ver mujeres veladas que en este retrato de la sociedad israelí. Esta diferencia visual podría interpretarse como una intención de Copti de reflejar una realidad menos restringida para la comunidad árabe dentro de Israel, en comparación con otros contextos del mundo árabe.

A nivel narrativo, “Happy Holidays” explora de forma potente, los desafíos intergeneracionales y de género a través de historias paralelas y personajes como Rami y su novia judía Shirley, Hanan y la difícil situación económica que atraviesa, y Fifi, quien oculta un secreto que podría afectar a su familia. Estas historias de amor, tensiones familiares y enfrentamientos con la cultura reflejan las luchas internas y externas que viven los personajes al intentar equilibrar sus raíces árabes con las influencias de la sociedad israelí occidental.

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El filme se acerca, en ciertos momentos, a una estructura de telenovela, especialmente al retratar conflictos familiares, problemas económicos y dilemas de matrimonio. Sin embargo, estos elementos contribuyen a mostrar las contradicciones que enfrentan los personajes, atrapados entre las normas tradicionales y los valores occidentales. En el caso de la familia protagonista, se observa una aparente apertura hacia ciertos aspectos de la vida occidental, como el consumo de vino y el rechazo a la obligación del velo, pero persiste la presión de mantener estrictamente costumbres como la virginidad femenina o el respeto a las opiniones de la comunidad.

Es interesante cómo el director utiliza la historia de estas familias para evidenciar que, aunque la comunidad árabe en Israel parece gozar de más libertades comparativas, aún enfrenta el dilema de la aceptación social y los límites impuestos por la cultura predominante. Por ejemplo, la aceptación en el parlamento israelí de partidos árabes sugiere una apertura formal, pero la integración cultural real sigue siendo limitada como vemos en los ejemplos de los niños recitando la importancia del pueblo judío para no ser expulsados de nuevo de su territorio.

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El director, en una declaración sobre el filme, explica cómo sus historias buscan desvelar los mecanismos que perpetúan tanto el patriarcado como la militarización en la sociedad israelí. Mediante un enfoque crítico, Copti propone que ninguna sociedad es verdaderamente libre hasta que las mujeres también lo sean, un mensaje potente que invita al espectador a cuestionarse sobre los valores y normas que rigen nuestras vidas.

La película logra mantener el interés del espectador, haciendo que éste se pregunte miles de preguntas, desde lo importante que es algo para una sociedad, pero no para otra, o los momentos de aparente respeto rotos por una de las sociedades que vive en Israel, representados en el minuto final del film, que a su vez quiere indicar la rotura con una sociedad que termina por exasperar a sus integrantes.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.