La odisea de cuatro menores indígenas que sobrevivieron tras deambular por 40 días en la Amazonía colombiana en 2023 llega a Netflix con “Los niños perdidos”, documental presentado este martes en Bogotá y que revela los pormenores de un rescate que sorprendió al mundo.

Coproducido con la cadena colombiana Caracol, el filme que se estrenará en la plataforma el jueves fue realizado a partir archivos de video y entrevistas a militares, indígenas y allegados a los hermanos desamparados en la selva tras un accidente de avioneta, según contaron sus directores en un evento para la prensa.

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El documental sobre la intensa búsqueda de Lesly, entonces de 13 años, Soleiny (9), Tien Noriel (5) y Cristin (1) Mucutuy también narra la inédita unión entre soldados y aborígenes, explicó el cineasta británico Orlando von Einsiedel, galardonado con el premio Óscar en 2017.

“La historia que se desprendió de esta búsqueda y rescate, de dos grupos históricamente divididos uniéndose es un elemento increíblemente inspirador”, aseguró. Los cuatro hermanos desaparecieron en la espesa selva el 1 de mayo de 2023. Su madre, el piloto de la avioneta y un tercer acompañante murieron por el desplome del aparato en el departamento de Caquetá (sur).

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En la búsqueda trabajaron en conjunto voluntarios indígenas que conocían el terreno y miembros de las Fuerzas Armadas. Lo que comenzó como una relación de desconfianza en medio de un territorio dominado por grupos armados ilegales, terminó en una épica proeza en la que tácticas militares conectaron con el conocimiento ancestral de los nativos. La cinta se narra en ausencia de sus protagonistas, que permanecen alejados de las cámaras bajo el cuidado de la entidad estatal de protección de menores.

Con una secuencia animada, los realizadores recrearon el testimonio que dio a las autoridades tras el rescate la hermana mayor, Lesly, la heroína que aseguró la supervivencia de sus hermanos con frutos silvestres y pescado crudo. “Era una forma más poética, más sensible, más ética” de retratar su experiencia, señaló el cineasta peruano-británico Lali Houghton.

Fuente: AFP.

“Pedro Páramo”, la mítica novela del escritor mexicano Juan Rulfo, llega a la pantalla de Netflix bajo la batuta del director de fotografía Rodrigo Prieto, quien dejó Hollywood para sumirse en la fantasmagórica Comala, donde ocurre la historia. Un desierto polvoriento bajo un sol abrasador es el escenario en el que se asoma el pueblo: así empieza la primera película de Prieto como director.

Prieto recién había asumido la fotografía de “Barbie”, de Greta Gerwig, y de “Killers of the flower moon” (Los asesinos de la luna), de Martin Scorsese, cuando adaptó a la pantalla esta obra que aún se lee en colegios de toda América Latina. “Se la mostré a Martin Scorsese y a su hija Francesca”, contó Prieto en el reciente Festival de Cine de Morelia.

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Cinéfilo absoluto, Scorsese se mostró interesado, inclusive sin conocer la historia ni la mentalidad del México profundo que quiso retratar Rulfo en la novela publicada en 1955. “Me dijo: ‘Oye, este plano debería ser un poco más largo’. Lo alargué un poquito. Dos planos me sugirió que fueran más largos”, relató Prieto, y añadió que también el hijo del escritor colombiano Gabriel García Márquez, Rodrigo García, fue su consejero.

La historia empieza con la llegada de Juan Preciado (interpretado por el actor mexicano Tenoch Huerta) a Comala para cumplir con la promesa que le hizo a su madre recién fallecida: buscar a su padre, Pedro Páramo. Así retrata Prieto uno de los arranques más famosos de la literatura en español, en algún lugar entre el Quijote y “Cien años de soledad”: “Vine a Comala porque me dijeron que acá vivía mi padre, un tal Pedro Páramo”.

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El papel del cacique Páramo lo interpreta Manuel García Rulfo, que tiene un lejano parentesco con el autor de la novela. “(Juan Rulfo) era primo hermano de mi abuelo, entonces tío abuelo mío”, contó el actor en un programa de promoción de la película.

“Es increíble la oportunidad que me diera Rodrigo de hacer este personaje tan complejo”, agradeció. “Más allá del tirano, del cacique, yo busqué humanizarlo”, dijo. Además de su fotografía, la película destaca también por las intérpretes femeninas que luchan contra el machismo arraigado en este México tradicional, como Ilse Salas, Yoshira Escárrega, Dolores Heredia, Giovanna Zacarías y Mayra Batalla.

Fuente: AFP.

Por David Sánchez, desde Tesalónica (Grecia), X: @tegustamuchoelc (*).

Tras ganar el premio al mejor guion en la sección Orizzonti del Festival de Venecia 2024, pudimos ver en el Festival Internacional de Cine de Tesalónica (Grecia) la película “Happy Holidays”, dirigida por Scandar Copti, que presenta una muy lograda perspectiva compleja sobre la vida de varias familias árabes en Israel, exponiendo las tensiones entre la tradición y el deseo de integración en una sociedad occidental.

Es significativo que entre los productores se encuentre Doha, un detalle que podría resultar sorpresivo dado el cuestionamiento cultural implícito que la película plantea. A pesar de este respaldo, el filme no evita abordar temas tabúes o mostrar personajes con aspiraciones de libertad y modernidad, como la protagonista Fifi (Manar Shehab), quien desea vivir su juventud sin las restricciones que impone la cultura conservadora en la que creció.

Un aspecto notable es la baja representación de mujeres con velo que vemos en pantalla, haciendo que el espectador no habituado a diferenciar árabe de musulmán lo pueda ver como un contraste con las imágenes habituales en otros países occidentales como Francia, donde, paradójicamente, es más común ver mujeres veladas que en este retrato de la sociedad israelí. Esta diferencia visual podría interpretarse como una intención de Copti de reflejar una realidad menos restringida para la comunidad árabe dentro de Israel, en comparación con otros contextos del mundo árabe.

A nivel narrativo, “Happy Holidays” explora de forma potente, los desafíos intergeneracionales y de género a través de historias paralelas y personajes como Rami y su novia judía Shirley, Hanan y la difícil situación económica que atraviesa, y Fifi, quien oculta un secreto que podría afectar a su familia. Estas historias de amor, tensiones familiares y enfrentamientos con la cultura reflejan las luchas internas y externas que viven los personajes al intentar equilibrar sus raíces árabes con las influencias de la sociedad israelí occidental.

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El filme se acerca, en ciertos momentos, a una estructura de telenovela, especialmente al retratar conflictos familiares, problemas económicos y dilemas de matrimonio. Sin embargo, estos elementos contribuyen a mostrar las contradicciones que enfrentan los personajes, atrapados entre las normas tradicionales y los valores occidentales. En el caso de la familia protagonista, se observa una aparente apertura hacia ciertos aspectos de la vida occidental, como el consumo de vino y el rechazo a la obligación del velo, pero persiste la presión de mantener estrictamente costumbres como la virginidad femenina o el respeto a las opiniones de la comunidad.

Es interesante cómo el director utiliza la historia de estas familias para evidenciar que, aunque la comunidad árabe en Israel parece gozar de más libertades comparativas, aún enfrenta el dilema de la aceptación social y los límites impuestos por la cultura predominante. Por ejemplo, la aceptación en el parlamento israelí de partidos árabes sugiere una apertura formal, pero la integración cultural real sigue siendo limitada como vemos en los ejemplos de los niños recitando la importancia del pueblo judío para no ser expulsados de nuevo de su territorio.

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El director, en una declaración sobre el filme, explica cómo sus historias buscan desvelar los mecanismos que perpetúan tanto el patriarcado como la militarización en la sociedad israelí. Mediante un enfoque crítico, Copti propone que ninguna sociedad es verdaderamente libre hasta que las mujeres también lo sean, un mensaje potente que invita al espectador a cuestionarse sobre los valores y normas que rigen nuestras vidas.

La película logra mantener el interés del espectador, haciendo que éste se pregunte miles de preguntas, desde lo importante que es algo para una sociedad, pero no para otra, o los momentos de aparente respeto rotos por una de las sociedades que vive en Israel, representados en el minuto final del film, que a su vez quiere indicar la rotura con una sociedad que termina por exasperar a sus integrantes.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

La cinta “Emilia Pérez” fue premiada en el festival de Cannes y adquirida por Netflix. Ahora, el director de este drama musical, el francés Jacques Audiard, se adentra en una ardua etapa: una brillante pero agotadora campaña en la carrera por el Óscar. “Estoy aterrorizado”, confiesa Audiard en entrevista con la AFP en Los Ángeles. “El éxito total es muy inquietante: no es la vida real”.

Protagonizada por la actriz española transgénero Karla Sofía Gascón, este filme surrealista sobre un narcotraficante transexual mexicano es uno de los favoritos para hacerse con el premio de la Academia a la mejor película y conquistar nominaciones en las categorías de actuación y dirección. “Emilia Pérez” se estrenará en los cines de Estados Unidos este viernes y en streaming el 13 de noviembre. Tras participar en los festivales de Telluride, en agosto, y Toronto, en septiembre, además abrirá el Festival de Cine Francés (TAFFF) en Los Ángeles esta semana.

Para posicionar en Hollywood su laureado décimo título, el director de 72 años deberá viajar constantemente entre Francia y Estados Unidos durante los próximos meses. Las campañas por el Óscar incluyen galas, entrevistas, proyecciones y pequeñas premiaciones. Cada evento ofrece una oportunidad para presionar a los votantes de la Academia que circulan en un mercado abarrotado y costoso.

En tanto Netflix, que domina el sector del streaming en Hollywood, pero que aún no gana un Óscar a la mejor película, pretende usar todos sus recursos para promover “Emilia Pérez”. La campaña promete ser mucho más intensa que en 2010, cuando Audiard llegó al Óscar con “Un prophete”, nominada a mejor película internacional. “Es como ir de una competencia municipal a las Olimpíadas”, sopesa el francés.

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Ganadora del Premio del Jurado en Cannes, la película de Audiard sigue el acto de contrición de Manitas, un poderoso narcotraficante mexicano. Atrapado en un mundo violento y machista, Manitas contrata a una abogada (Zoe Saldana) para que le ayude a conquistar su gran sueño: convertirse en Emilia. Libre como mujer, Emilia emprende una cruzada para ayudar a las víctimas de las pandillas. También, haciéndose pasar por un familiar lejano, retoma el contacto con su exesposa (Selena Gomez) y sus hijos, quienes creen que su padre está muerto.

Interpretando a Manitas y a Emilia, Karla Sofía Gascón tiene grandes chances de convertirse en la primera actriz abiertamente transgénero nominada a un Óscar. La española de 52 años tiene además a su favor haber moldeado el fuertemente el papel. Audiard vislumbraba una heroína más joven, pero tras conocer a la veterana estrella, cuya transición se dio a los 46 años, adaptó el guión. Un personaje más joven no habría sufrido lo suficiente para ser creíble, reflexionaba Audiard. “Traté mucho pero no funcionaba”, dice.

“Cuando Karla Sofía apareció, fue una revelación. Fue como si se me apareciera la Virgen María. Estaba claro”. “Si tu transición es a los 46, no puedo ni atreverme a imaginar cómo era tu vida antes (...) ¿Cómo era su vida y su pena?”, se cuestiona. Esta epifanía ayudó a Audiard a agregarle sustancia a su heroína transgénero, cuya inspiración surgió primero de la novela de Boris Razon “Écoute”.

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Tomando prestado el estilo de la ópera, “Emilia Pérez” se presenta como un drama musical, pero se sitúa en la encrucijada de múltiples géneros: narco-suspenso, telenovela latinoamericana y drama LGBT, entre otros. Esta combinación única era, para Audiard, la forma “obvia” de abordar la transición de su protagonista y sus contradictorias facetas. Los elementos “kitsch” de la cinta abordan insolentemente cuestiones sociales, como cuando cantan el estribillo “¡Rinoplastia! ¡Vaginoplastia!” en una secuencia de baile ambientada en un hospital, comentó.

“Tenía que absorberlo todo. La película tenía que ser vergonzosa”, asegura Audiard. “Estamos cantando sobre cosas improbables”. La mezcla de estos ingredientes produjo una pieza alabada en la prensa estadounidense como una de las favoritas a la carrera por el Óscar, cuyas nominaciones se anunciarán en enero. Su triunfo coronaría la galardonada carrera de Audiard, quien con regularidad incluye personajes marginados socialmente en sus tramas.

“Dheepan”, que le dio la Palma de Oro -el mayor premio de Cannes- en 2015, trata sobre la vida de refugiados tamiles en un suburbio parisino. “Metal y hueso” sigue la vida de una entrenadora de orcas que perdió las piernas en un horrible accidente. “Un prophete” entra en el mundo de la violencia carcelaria. “Tengo curiosidad”, afirma Audiard. “Me fascina la gente difícil de clasificar”.

Fuente: AFP.